Форма

Простые геометрические формы – треугольники, круги, прямоугольники и прочие – создают сильные образы. Многократное использование этих форм и их вариаций может усилить композицию, особенно если они варьируются в размерах, тональностях, цветах, текстурах, или ориентации. Конечно, формы не обязательно должны быть геометрически простыми, чтобы захватывать внимание при повторении. Они могут иметь странные контуры, но при взгляде на них они становятся визуально привлекательными…настолько, что могут превратиться в самые привлекательные аспекты изображения. Некоторые фотографы выстраивают свои композиции из сочетаний форм (или контуров, если вам так больше нравится), подобно мозаике или паззлу. Джей Дюсард именно так организовывает свои картины. Зачастую он использует множество маленьких форм, объединяя их в сложную и интересную композицию. Мне сложно выстраивать композицию из форм, поэтому мои отпечатки обычно содержат сильные доминирующие линии.

Во всех фотографиях присутствуют линии и формы (граница любого объекта – линия, но сам объект - форма), но некоторые из них явно строятся на линиях, а некоторые – на формах (Рис. 3-8). Будет ли один тип сильнее другого? Ответ зависит только от вашего мнения. Мне кажется, что основанные на линиях картины более напористы; линия – динамическая визуальная приманка, заставляющая взгляд следить за собой, а форма заставляет взгляд остановиться и изучить себя. Картины, в которых доминируют линии, более текучи и динамичны. Более того, картины, в которых доминируют формы, заставляют взгляд перемещаться скачками от одного контура к другому, а по линейным картинам взгляд перемещается плавными и быстрыми движениями. У меня нет научных доказательств этого, но для меня это выглядит правдивым. Ваше мнение об этом может продемонстрировать, к какому из типов композиции вы более привержены.

Линия, форма, контраст и эмоция

Перед тем как продолжить рассмотрение других элементов композиции, остановимся и рассмотрим воздействие линий, форм и контрастов на эмоциональное содержание картины. Это чрезвычайно важно, поскольку даже самый технически совершенный отпечаток бессмысленен без эмоций.

Во-первых, представьте две фотографии, первая из которых заполнена сильным белым и глубоким черным, а вторая выполнена в средних тонах. Первая фотография будет более активной. Она напрыгнет на вас. Вторая будет ощущаться тише, спокойней и пассивней.

Затем, представьте две фотографии, первая из которых заполнена изломанными линиями и резко очерченными формами, а вторая состоит из изогнутых линий и мягко взаимодействующих форм. Первая фотография из этой пары немедленно захватит ваше внимание, а настроение второй будет более пассивным и спокойным.

Теперь давайте объединим эти качества для рассмотрения крайностей. Фотография с изломанными линиями, резкими формами, сильными белыми и черными тонами, будет вызывать ощущение дикости и неистовости, возможно даже чувство бесконтрольности. А та, в которой содержатся изогнутые линии и мягко взаимодействующие серые тона, будет расслабляющей, тихой, и рискующей оказаться скучной.

Это говорит нам, что изломанные линии более активны, чем изогнутые. Высокий контраст активнее низкого. Серые тона создают самое расслабленное настроение. Следовательно, изломанные и резкие линии, или туго сжатые, перекручивающиеся кривые линии, в сочетании с высоким контрастом, будут восприниматься активными и интенсивными. Мягко изогнутые линии в сочетании с мягкими тональностями будут вызывать тихое и расслабленное настроение.

Я не могу преувеличить важность этого сочетания, потому что оно формирует основу универсального языка, понятного людям всего мира. Не важно, родом вы из Манхэттена, Франции, Ботсваны, России, далеких уголков Австралии, Китая или Бразилии – вы воспримете эти комбинации линий, форм и контрастов одним и тем же способом. На самом деле, это – единственный универсальный язык на Земле.

Любой мыслящий фотограф использует этот универсальный язык для собственной пользы. Если вы хотите расслабленного настроения, вы будете работать с изогнутыми линиями, округлыми формами и мягким контрастом. Например, если вы хотите передать мягкость и добродушие человека на портрете, вам поможет рассеянный свет. Но если вы хотите подчеркнуть его жесткость, вы выберете точечное освещение или прямое солнце – подчеркивающие каждую морщину. Мягкий свет, серые тона и пастельные цвета на округлых холмах передают ощущение приятного и милого пейзажа, а сильный боковой свет на резко очерченной скале заставляет думать о приключениях или мрачных предзнаменованиях.

Несколько лет назад ученик на семинаре продемонстрировал картины, сделанные в буддистском монастыре в Японии. Я спросил его, какое настроение и чувства он испытывал, находясь там. Он сказал: «Брюс, это было самым умиротворяющим местом из всех, где я побывал». И, хоть композиция и была прекрасной, я сфокусировался на резких, высококонтрастных тональностях, в которых был выполнен отпечаток. Они уничтожали мирное настроение. Мы обсудили это, и ученик признал, что «никто раньше не говорил ему об этом». Он согласился с тем, что высокий контраст следует значительно снизить, и что нужно всего лишь заново отпечатать с низким уровнем контраста для успешной передачи настроения, царящего в монастыре.

Мой многолетний опыт проведения семинаров показывает, что существует тенденция – на самом деле, массовое движение – к использованию высокого контраста. Причиной этого видится стремление создать «богатый», изумляющий, захватывающий, драматичный отпечаток. Но, может, на самом деле вы хотите передать тихое и умиротворяющее настроение, которое заставляет зрителя присесть и задуматься, а не прыгать и кричать. Высокий контраст мешает этому настроению; резкие формы мешают ему.

Гораздо лучше создавать настроение, чем просто создавать черное и белое только для того, чтобы показать всему миру, что вы можете создать черное и белое.

Узор

Повторяющиеся линии или формы создают узор. Вертикальные стволы деревьев могут создать узор, а их горизонтальные тени создадут второй, выступающий контрапунктом первому. Фотография подобной группы деревьев и теней является хорошим примером фотографии, созданной «единой мыслью», а не центром интереса. Взгляд зрителя привлекают не отдельные деревья (или их тени), а узор деревьев. Если убрать одно из них, узор останется. В сущности, не изменится ничего. Вариации вертикальных и горизонтальных линий – от расстояния между деревьями до разностей длин теней – могут привнести больший интерес в изображение.

Это – лишь единственный из бесконечного количества примеров. Многие из посещенных мной английских храмов содержали кажущееся бесконечным количество колонн и арок, которые формировали узор форм и текстур, позволяющий зрителю переносить такие качества, как текстура, от близких колонн к дальним (Рис.3-1). Тональные вариации в колоннах, арках и тенях создавали интересное взаимодействие внутри узоров. Рисунок 3-9 показывает пример природного узора.

Подобные вариации – ключ к привлекательности узора. Повторение может быть хорошим началом, но интерес к нему быстро иссякает. Студийные условия предоставляют прекрасные возможности для создания изумительных узоров и вариаций, потому что фотограф может расставлять объекты по своему желанию. Пейзажи требуют больших усилий; вы не можете переставлять объекты, но изменение положения камеры и фокусного расстояния помогают организовывать вид в приятный узор.

Уильям Гарнетт, известный аэрофотограф, однажды обнаружил монотонный, повторяющийся узор, который он назвал «сильнейшим способом видения». Он сделал серию аэрофотографий придорожных таунхаусов около Лос-Анджелеса до, во время, и после строительства. Эти фотографии ужасно монотонны, как и сама дорога, они похожи на старую доску от игры «Монополия». Сила этих фотографий в монотонности, которая идеально демонстрирует пустоту и бессмысленность пригорода в двадцатом веке. Четвертый снимок, завершающий серию, содержит не только дорогу, но и весь пригород Лос-Анджелеса. Одинаковость кажется распространяющейся безгранично. Она изумительно пустая!

Скалы восточной Калифорнии создают визуальный ритм, несмотря на разность размеров. Металлический отблеск создает богатую тональную палитру, редко встречающуюся в природе. Рис.3-9. Уступы, Вестгард Пасс.

Это важный пример, он показывает, что кажущееся ясным «правило» (такое как «избегайте выделяющихся элементов в узоре») всегда имеет исключения. Единственное стоящее правило таково: избегайте правил!

Баланс

Баланс означает схожесть левой и правой половин фотографии. Это можно перенести в тональный баланс, или в баланс объекта и интереса. Как на качелях, где тяжелый объект у центра уравновешивает легкий объект на другом конце, важный объект около центра картины «уравновешивает» объекты у противоположной границы. Темные тона на одной половине изображения уравновешиваются темными тонами на другой половине. Важный объект, большой или маленький, размещенный на границе фотографии, создает несбалансированный снимок, если он не уравновешен важным объектом с другой стороны.

Дисбаланс тонов или объектов интереса часто вызывает напряжение зрителя, а сбалансированные композиции более расслабленны и комфортны. Хотите ли вы, чтобы все ваши фотографии были комфортны? Я нет. Иногда я хочу создать напряжение дисбалансом. Некоторые фотографы постоянно создают дисбаланс для того, чтобы вызвать ощущение напряжения или дискомфорта.

Простейший способ достижения баланса – симметрия, но без мастерства симметричные композиции могут быть ужасно скучны. Асимметричный баланс сложнее создать, но он более увлекателен. Баланс, как и другие элементы композиции, должен соответствовать задуманному настроению. Если вы хотите создать ощущение таинственности, странности, или возбуждения, дисбаланс может быть эффективнее баланса. Используйте его вместе с линиями, формами и контрастами для создания настроения в ваших работах. В дополнение к ощущению расслабленности или изумления, вызываемому линиями, формами и контрастами, баланс или дисбаланс могут создать комфорт или дискомфорт. Это сочетание может быть весьма мощным.

Как насчет баланса или дисбаланса между верхом и низом в тонах или объектах? Это не проблема. Слово «баланс» подразумевает схожесть между правым и левым; «дисбаланс» подразумевает ее отсутствие. В рисунке 3-10 все объекты интереса находятся в нижней части фотографии, а верхняя ее часть заполнена черным. Тональный или объектный дисбаланс заметен при соотношении левой и правой частей, но его тяжело отследить, если он проявляется в верхней и нижней частях. Возможно, это следствие того, что наши тела и лица горизонтально симметричны, а не вертикально. Я полагаю, что мы просто чаще замечаем различия в левой и правой частях, чем в верхней и нижней.

Движение

Направление движения взгляда по фотографии – при успешном применении линий, форм, контрастов и объектов – определяет движение фотографии. Во многих моих фотографиях каньонов движение происходит в круговой или спиральной манере, а во многих моих лесных снимках движение вертикально, как стволы деревьев. Величественные хвойные леса тихоокеанского северо-запада состоят из благородных прямых деревьев, внушающих чувство стабильности и силы, тогда как дубовые рощи юго-востока преисполнены изогнутыми формами, внушающими широкий диапазон ощущений, от дикости до мягкости. Движение вызывает изумление, и чем сильнее движение – тем сильнее изумление.

На рисунке 3-6 движение происходит в круговой, практически спиральной манере. На рисунке 3-7 движение направлено вправо-вверх, вместе с гигантским стволом. Такое же движение просматривается на рисунке 3-9. На рисунке 3-11 движение раскручивается из левой части центра. Само изображение кажется движущимся. Движение вызывает изумление, и чем сильнее движение – тем сильнее изумление.

Движение и баланс взаимосвязаны. Если движение происходит, например, справа налево, можно усилить правую часть для поддержания баланса, потому что направленное влево движение создает дисбаланс справа. Движение также можно использовать для создания напряжения и дисбаланса.

В прошлом я стремился создавать движение в большей части моих работ, но мое отношение к важности движения изменилось, поскольку я видел все больше выделяющихся работ, в которых не было ярко выраженного движения. Возможно, это изменение отношения направило меня на изучение городов США и Канады. Эти картины основываются на статичной, холодной архитектуре, которая доминирует в окружающих нас городах. В большинстве случаев, картины из этой серии избегают движения и содержат геометрические узоры. Отсутствие движения не означает отсутствие качества. Движение, подобно контрасту и тону, должно сочетаться с настроением картины.

Весь интерес в этом изображении сосредоточен в нижней части, а небо чисто черное. Дисбаланс верха и низа не беспокоит, в отличие от дисбаланса левого и правого. Тональный дисбаланс может создать расплывчатость и дезориентацию, но только если он случается в левой и правой частях. Рис.3-10. Холмы и Облака. Центральная Калифорния.

 Некоторые места в Юте похожи на открытый космос, они выглядят неземными и движущимися. Кажется, что земля закручивается от центральной скалы. Подобных образований нет нигде больше на Земле, и они требуют максимально возможной защиты. Рис.3-11. Текучая земля. Юта.

Пол Странд, Галилей, и эллипс

Идеальной, небесной, божественной формой,  исходя из истории искусства, всегда был круг. Это форма нимба, форма Глаза Господня; а еще это причина, из-за которой  Галилей попал в большие неприятности. Дело было не только в том, что он назвал Солнце, а не Землю центром солнечной системы. Также он настаивал на том, что орбиты планет имели форму не круга, а эллипса. Он обнаружил, что эллипс был небесной формой, а не круг.  

Эллипс – форма, в которой заключено движение, в которой есть жизнь. Лучший способ проиллюстрировать это – перефразировать Алана Уоттса. Позвольте мне попросить вас представить шар на конце нити, который вы вращаете над головой. Траекторией движения шара не будет круг. Это будет эллипс. Вы должны раскрутить его до появления ухающего звука – ввух, ввух, ввух. Именно это придает жизнь вещам – небольшое смещение от центра. И этот звук, ввух, ввух, ввух, на что он похож? Это звук сердцебиения.

 

Вы можете спросить, какое это имеет отношение к фотографии? Что ж, аналогичным образом, композиция фотографии, основанная на круге – в центре, в самой середине – то, что мы называем композицией «в яблочко», навевает скуку. В ней нет жизни, нет движения, поэтому фотографы, понимающие этот принцип, стремятся помещать объекты вне центра снимка.

 

Я вспомнил об этом, когда просматривал одну из книг Пола Странда. Взгляните на Un Paese, на Tir aMhurain, на Time in New England, и представьте Х в центре фотографий – вы увидите, что в центре ничего нет. Все элементы фотографий Пола Странда расположены вокруг центра, и это – как мне кажется, одна из причин, почему его композиции столь волшебны, столь наполнены жизнью и почему он такой удивительный фотограф: он понимает принцип удаления из центра.

Линия

После контраста и тона, которые задают общее настроение картины, мы приходим к линии, являющейся, возможно, сильнейшим элементом композиции. Линии чрезвычайно привлекательны для глаза, это открыли художники времен Ренессанса, которыми была впервые использована перспектива. Было замечено, что глаз следует по всей линии перспективы, не отклоняясь от нее. У него нет выбора! Глаз будет следовать по линии от ее начала до конца, если линия не будет слишком извилистой.  

Примечание: когда средне-серый начинает светиться подобно средне-серебряному, фотограф на самом деле получил что-то экстраординарное.

 

Диагональные линии обладают сильнейшим композиционным эффектом благодаря их внутренней нестабильности. Они создают напряжение. Они не стабилизированы в вертикальной или горизонтальной позиции. Эффект падения, который создают диагональные линии, придает им сильную динамику. И вертикальные, и горизонтальные линии имеют меньшую динамику, но создают возвышенное ощущение постоянства или стабильности (или ощущение стазиса, если используются без вдохновения). Изогнутые линии также могут быть очень динамичными или расслабленными. Сжатые кривые привносят больше драматизма, чем широкие и размашистые.

Конечно же, эти тенденции необходимо рассматривать в сочетании с другими композиционными элементами. Доминирующие диагональные линии на отпечатке с низким контрастом могут казаться менее динамичными, чем горизонтальные или вертикальные линии на высококонтрастном отпечатке. Каждый элемент композиции, рассматриваемый в этой главе, должен восприниматься в контексте других (более об этом в конце главы), и обязательно в контексте самого объекта фотографии, если вы хотите, чтобы он имел смысл. Смысл понимания элементов композиции в их чистой абстрактной форме заключается в их применении к объекту съемки и усилении вашего заявления, которое вы пытаетесь передать через фотографию.

 

Это – мой первый снимок песчаного каньона. Я не воспринимал его как каньон, но видел пространство космоса. Центральное черное пятно (или, быть может, черная дыра?) окружена сжатыми яркими кривыми, которые тускнеют по мере удаления от центра. Глаз немедленно притягивается центром, благодаря его высокому контрасту, и затем уходит от него по спирали. Рис. 3-6. Круговая расщелина. Каньон антилопы.

Падший гигант создает сильное движение из нижнего левого угла в верхний правый, а ветки в углу отражают его. Если убрать секвойю, пейзаж останется грандиозным, но исчезнет динамика. Самая яркая часть картины, туман, выражен светлыми тонами; самая темная часть так же черна, как и чернота на рис. 3-6, при этом само изображение не является высококонтрастным, потому что пиковые тональности не соприкасаются. Большая часть картины заполнена средними тонами. Контраст определяется не диапазоном тональностей, но их расположением. Рис. 3-7. Упавшие секвойи.

Два примера помогут иллюстрировать сделанное заявление. Рис. 3-6 направляет взгляд к центру изображения, где контраст наиболее высок; где глубочайший черный контактирует с ярчайшим белым, и где наиболее сжаты кривые. Отсюда глаз уходит по спирали от высококонтрастных внутренних линий к внешним линиям с низким контрастом. Сочетание высокого контраста и изогнутых линий делает это изображение динамичным.

В Рис.3-7 доминирует сильная диагональ упавшего дерева и повторяющие ее ветки в правом нижнем углу, контрастирующие со стоящими позади деревьями. К данному изображению применимы стандартные ассоциации вертикальных и горизонтальных линий. Уберите диагональ, и фотография станет одной из множества фотографий туманного леса, сильной и устойчивой, но потеряет динамику.

В отпечатке представлен практически весь тональный диапазон, но нет высокого контраста. Стоящие деревья мягко затухают в тумане (светло-сером, не чисто-белом), светлые и средние серые тона заполняют картину – кроме верхней части упавшего дерева и веток под ним, которые выполнены темно-серыми и черными. Это привносит в картину объем и ощущение присутствия.

Имеют ли прямые и изогнутые линии тот же эмоциональный отклик, что и изломанные линии с резкими углами? Конечно, нет. Имеют ли извивающиеся кривые тот же отклик, что и прямые вертикальные линии? Снова, нет. Попробуйте поместить различные типы объектов в абстрактные линейные структуры для большего понимания того, как линии взаимодействуют с объектами.

Не существует определенного эмоционального отклика для каждого типа линий. Взаимодействуя с объектом и другими композиционными элементами, такими как контраст и тональность, линии могут помочь придать общее настроение фотографии. В портретной фотографии легкий поворот головы может превратить прямые и сильные линии лица в более мягкие и спокойные – и наоборот. Тщательный контроль света, его размещение, резкость или мягкость, могут еще больше развить этот эффект. Поэтому опытный портретный фотограф внимательно контролирует угол наклона головы по отношению к объективу, положение рук, одежду, размещение света и его тип, для лучшего выражения своих ощущений от изображаемого на портрете человека.

Следите за сильными линиями, выталкивающими взгляд за пределы фотографии, такими как линии перспективы. Так вы можете потерять внимание зрителя, поэтому внимательно контролируйте сильные линии.

С другой стороны, не перестарайтесь, прослеживая линии фотографии, которые почти незаметны. Если фотограф преувеличивает длительность линий, проходящих через несколько объектов, таких как деревья и их тени, фотография получается слабой. Прослеживание слабых линий фотографии аналогично поиску несуществующего в фотографии настроения: оно никогда не работает.

Следует отметить еще одну особенность линейной структуры: линия не обязательно должна быть непрерывной, такой как дерево на рис.3-7 или изгибающиеся линии на рис. 3-6. Некоторые линии могут состоять из последовательных форм, соотносящихся друг с другом. В таких случаях глаз сам создает невидимую линию. Иногда такие линии получаются очень увлекательными. Они также могут создавать проблемы. Например, последовательные формы могут не соотноситься друг с другом в изображении из-за разных цветов. Однако если они переведены в серые тона черно-белой фотографии, их соотношение усиливается. В некоторых случаях линия может принести существенную пользу композиции, но в других случаях линия может серьезно отвлечь зрителя от задумки фотографа.

В данном изображении доминирующей формой являются треугольники пирамид и дорожек. Эти формы также создают визуальный контрапункт классической архитектуре старого дворца. Отпечаток затонирован в коричневый для усиления закатного настроения (обратите внимание на заходящее солнце, видимое через стекло пирамиды). Рис. 3-8. Лувр на закате.

Великие фотографы в сети

 

*ВС

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ирвинг Пенн

Привет Ирв, я не понимаю о чем ты думал чувак! У тебя милая модель (хотя староватая), но ты снял ее с закрытыми глазами и в не особо хорошей позе. Самая большая проблема в том, что ТЫ ДОЛЖЕН КРОПНУТЬ до вертикали!!!!! Фон слишком маленький ты должен был сам заметить. Если ты отправишь мне файл я могу исправить его в Фотошопе и отдать тебе мой рекомендуемый кроп. Если ты не заботишся о своем ПРОФЕССИОНАЛИЗМЕ ты никогда не станешь снимать как про поверь мне!!! Надеюсь я не был слишком жесток. Ну и мои лучшие пожелания, М.Х.

 

Сэм Абель

Сэм, ОТЛИЧНЫЙ вид обожаю его! Жаль ты не смог получить больше цвета в небе. Синий стоило бы сделать более насыщенным. И еще по правилам ты должен был сделать доминирующее небо или землю (озеро?), не делить снимок пополам. Попробуй смещать камеру после фокусировки. Отличный снимок пожалуйста посмотри на мои и оставь комментарии. Тэд.

Гарри Виногранд

 

Привет Гарри. Ты смог поймать несколько удачных поз. Самая большая проблема имхо в том, что горизонт завален. И мужика справа надо отрезать. Иногда мне приходится кричать чтобы привлечь внимание людей перед съемкой. Если бы ты так сделал, то смог бы снять больше лиц. Джордж МакВилкен

Билл Брандт

 

Билл, твоя проблема в этом снимке – детали в тенях. Некоторые объективы дают больше деталей в тенях и контраста, чем другие. Объективы Лейка лучше всего подходят для этого. Есть несколько типов, которые я знаю, Эльмарит, Суммикрон и Суммилюкс. Я не знаю какой из них дает больше деталей в тенях но я спрошу и думаю, смогу дать тебе несколько советов. Нужно видеть оба глаза для ощущения глубины. Какой объектив ты использовал? Ну и в светах детали тоже выбиты, особ-но на руке. Адриан.

Анри Картье-Брессон

Бонжур Анри, полагаю ты француз или как минимум говоришь по-французски. Это отличный кадр, мне нравится композиция и собака. У нас была собака похожая на эту. Твоя проблема в этом снимке в том, что твой АФ промазал – мужчина получился смазанным! Камера ошибочно сфокусировалась на людях в двери, создавая отвлекающий смаз на мужчине. Обычно лучше фокусироваться на ближнем объекте и в большинстве случаев камера выбирает самый большой объект для фокусирования, но к сожалению не здесь. Но это все равно отличный кадр. С уважением, Эдвин.

Кейт Картер

Кейт: Отличная Попытка Сфокусироваться на Неправильном Конце лошади очевидно!! Тяжело выстраивать композицию в квадрате, не расстраивайся. Иногда мы Фотографы просто должны принимать то, что получается. Боб.

Уильям Эгглстон

 

Это вообще проходной снимок. Я бы не решился даже показать его. Есои ты собираешься постить фотографии следует убедиться что на них есть что-то особенное или собственное видение. Иначе ты потеряеш интерес публики. Джордж Спелвин [Nikon D200, Nikon D70s backup, 17-35 f/2.8, 80-200 f/2.8, 4GB Microdrive (2), Photoshop CS, Epson 2200]

Ральф Гибсон

Ральф, это отличная идея и я думаю у тебя была отличная идея. Но тени слишком отвлекающие, тебе стоило сделать шаг влево. Если бы это привело к еще более отвлекающему фону тогда я думаю тебе стоило шагнуть ближе. Отличная попытка, удачи в следующий раз. - подающий

 

Эдвард Стайхен

Недоэкспонировано и нерезко. Полагаю ты скажешь что ты пытался сделать ее нерезкой но какой нафиг в этом смысл. Мне нравится резкость. Может тебе стоит изучить фотографии других людей на этом форуме и понять как должна выглядеть хорошая фотография.

Алекс Вебб

Привет, Алекс, я не вижу четкой композиции в этой фотографии и ты потерял детали в тенях тебе нужна камера с большим динамическим диапазоном может тебе стоит попробовать Fuji S3 я слышл у нее самый большой диапазон но тее надо знаь как им пользоваться. Заполнюящая вспышка тоже помогла бы. Всего два балла Но мне нравятяс другие твои работы пожалуйста проголосуй за мои тоже эл Автор оригинального текста: MIKE JOHNSTON

Перевод: Аханкин Сергей

*Внимание! Сатира!

 

Глава 3. Элементы композиции

ЕСЛИ КОМПОЗИЦИЯ ПРЕДНАЗНАЧЕНА ДЛЯ НАПРАВЛЕНИЯ ЗРИТЕЛЯ по вашей фотографии и удерживания его до того момента, когда он распознает ваше сообщение, то должны существовать методы выстраивания композиции для достижения максимальной силы ваших изображений. Такие методы существуют, и их можно использовать, идентифицируя и понимая элементы композиции. Далее приведен список многих элементов композиции. Мы обсудим их и рассмотрим, как их можно использовать для улучшения фотографии.

  • Свет
  • Цвет
  • Контраст и тональность
  • Линия
  • Форма
  • Узор
  • Баланс
  • Движение
  • Позитивное/негативное пространство
  • Текстура
  • Положение камеры
  • Фокусное расстояние
  • Глубина резкости
  • Выдержка

 

При создании этого отпечатка я столкнулся с дилеммой: снизить контраст для сохранения деталей интерьера, или сохранить контраст и потерять детали снаружи? Я выбрал последнее, уничтожив кусты снаружи. Центром интереса является стометровая трапезная. Несмотря на то, что ваш взгляд движется напрямую к белому проему по линии перспективы, он не является центром интереса. Рис. 3-1. Трапезная, Аббатство Fountains.

 

Существует два ключевых момента, связывающих все элементы, и делающих их реальными, которые должны быть включены:

Вовлеченность

Отношения

 

Свет и цвет будут рассмотрены отдельно в дальнейших главах, поскольку эти два элемента настолько важны, что заслуживают особого внимания. Для тех из читателей, кто особенно заинтересован в цвете, данное обсуждение остается важным; концепции, применяемые к цвету, также применимы и к черно-белой фотографии.

 

Контраст и тональность

 

Эти два вопроса настолько сплетены, что разделить их практически невозможно. Каждая картина имеет собственный контрастный диапазон, но его можно увеличить, уменьшить, или сохранить в черно-белой фотографии. Методы контроля контраста рассмотрены в главах 8 и 9. В данном случае достаточно сказать, что удивительно большие – на самом деле, бесконечные – изменения контраста можно произвести в черно-белой фотографии, снимая на пленку (рис. 3-1). Контроль контраста также возможен и в цветной фотографии, но в более сжатых границах, пользуясь традиционными методами пленочной фотографии. Контраст в черно-белой и цветной цифровой фотографии также существенен.

Контраст не является по-настоящему элементом композиции, он скорее техника, которая находит свою важность в том, как работают глаза и мозг при восприятии мира. В прошлой главе мы узнали, что глаз перемещается от одной ключевой зоны к другой, заполняя менее важное пространство размытостью. В сущности, глаз немедленно обращается к точке максимального контраста. Белый на фоне темно-серого или черного чрезвычайно силен. Черный на фоне светло-серого или белого так же силен. Светло-серый на фоне более темного или средне-серого не захватывает взгляд немедленно, так же как и темно-серый на фоне средне-серого или светло-серого. Зная это, художник размещает эти зоны по своему желанию, стремясь создать сильный контраст для воздействия, и слабый для тонкости.

Высокий контраст придает фотографии «захват» и изумительность; низкий контраст создает настроение. У каждого из них есть свое место, и каждый из них имеет существенный эффект для финального настроения картины, вне зависимости от объекта.

Контраст определяется не столько диапазоном тональностей, но их отношением друг к другу. Переходящие средние тона смягчают контраст отпечатка, в котором содержатся и глубокий черный и яркий белый, делая его отпечатком среднего контраста. Отпечаток, в котором нет обеих крайностей, может выглядеть высококонтрастным, если темно-серый расположен рядом со светло-серыми. Эффект высоты контраста будет усилен, если средние тона отсутствуют в изображении.

Это может удивить вас, но на самом деле, не существует взаимосвязи между тональным диапазоном изображения и его контрастом. Для иллюстрации этого противоречия, представьте, что вы проэкспонировали лист фотобумаги в увеличителе без негатива, но вначале закрыли его листом картона. Затем вы медленно сдвигаете картон с бумаги, выключив увеличитель в тот момент, когда бумага полностью открылась. Когда вы проявите этот лист бумаги, он будет содержать весь спектр серого, от черного с одной стороны, до белого на другой – со всеми средними тонами между ними. Хоть этот отпечаток и содержит всю шкалу тональностей, в нем нет контраста! Причина заключается в том, что контраст заключается во взаимном расположении разных тональностей, но каждая точка на этом отпечатке расположена рядом с аналогичной или схожей тональностью.

 

С другой стороны, если поместить на начало листа маленький объект, скажем, монету, она оставит чисто белый след, окруженный черным и темно-серым. Несмотря на то, что тональный диапазон остался тем же, отпечаток имеет теперь высокий контраст. Если поместить монету в середину листа, круг будет окружен средне-серым, придавая отпечатку средний контраст, сохраняя тот же тональный диапазон. Если поместить монету на дальний конец листа, белый круг будет окружен светло-серыми или белыми тонами, и контраст будет очень низким. Но тональный диапазон останется тем же. Итак, контраст изображения зависит от расположения тональностей, а не от тонального диапазона. Изображение, содержащее и белый и черный, может иметь общий «мутный» вид. Некоторые отпечатки, не имея чистого белого или черного, имеют «захват» и контраст. Хоть тональный диапазон и контраст часто взаимосвязаны, существуют исключения.

Темные тона передают настроение – и общую темноту – Храма Durham. Статуя Сэмюеля Джонсона, который был тонким мыслителем, доминирует в изображении. Рис. 3-2. Статуя и колонны нефа. Храм Durham.

 

Отпечаток может быть выполнен в высоком ключе (с доминированием светлых тонов), в низком ключе (с доминированием темных тонов), или в смешанном виде. Схожи ли настроения высокого ключа и низкого ключа? В большинстве случаев между ними существует эмоциональная пропасть. Две фотографии из моих исследований английских храмов (рис. 3-2 и 3-4) иллюстрируют разные случаи контраста и тональности. Хоть они и схожи по содержанию, и по дизайну, отпечаток из Durham содержит более глубокие общие тональности и более высокий контраст (несмотря на то, что тональный диапазон обеих картин почти одинаков – от белого до черного). Для меня в нем также содержится более мрачное настроение, в то время как первый отпечаток содержит больше надежды и оптимизма – несмотря на то, что статуя из Durham изображает человека живого и читающего, а статуя из Hereford посвящена мертвому рыцарю.

Значит ли это, что темные тона передают мрачное настроение, а светлые внушают оптимизм? Не обязательно, но они чаще передают эти настроения, чем нет. Это не является правилом (всегда избегайте правил, потому что они слишком часто ведут к неудаче), скорее обобщением: это случается достаточно часто. Если вы задумаетесь об этом, вы поймете, что наш повседневный язык почти всегда отражает это: мы говорим о «солнечном настроении», о «темном, мрачном настроении», о человеке с «ярким, солнечным характером», и о плохом настроении как о «сгущающихся тучах». Это надо понимать, потому что оно является существенной частью нашего визуального языка, передающего наши чувства в фотографии. В общем, отпечатки в высоком ключе внушают более позитивное, оптимистичное настроение, в то время как отпечатки в низком ключе более мрачные, даже пессимистичные.

 

Фотографиям часто вредит неверный контраст или тональность, которые конфликтуют с задуманным настроением. Я верю, что в этой проблеме можно обвинить неписаное «правило», которое утверждает, что в каждой фотографии должен быть чистый белый, чистый черный, и средние тона между ними (кроме случаев графичных черно-белых снимков, в которых можно опустить средние тона). Это правило не только должно остаться неписаным, но его также следует и игнорировать. Два примера помогут проиллюстрировать этот момент.

Средние и светло-серые тона доминируют в этом изображении, а солнечный свет проникает через невидимые окна слева. Несмотря на наличие гробницы мертвого рыцаря, это изображение передает больший оптимизм, чем снимок из Durham. Более светлые тона могут быть причиной этой разницы. Рис. 3-3. Гробница неизвестного рыцаря, Храм Hereford.

 

Первый пример – рисунок 3-4. Поставив камеру на ступенях калифорнийского Капитолия, и направив ее на сад, я ощутил, что все в картине было заполнено светом – как если бы каждое дерево, каждая травинка, каждый лист, были источниками света. Нигде не было темноты. Я хотел, чтобы мое изображение отразило это чувство яркости и чистоты света. Тона идут от светлых до средне-серых; здесь нет черного, и он не нужен. Я чувствую, что темные тона были бы неуместны. Они могли бы испортить настроение утра. Передача настроения гораздо более важна, чем следование какому-то правилу.

Другой фотограф, стоя на том же месте, мог бы пережить чувство красоты, и выразить его в совершенно ином изображении. Я часто видел фотографии солнечного света, окружающего силуэты деревьев. Подобный способ передачи мог бы идеально подойти для этого случая, но только для того человека, который иначе реагирует на чувство света.

Второй пример принесен из Англии. Рисунок 3-5 не содержит белого и почти не имеет светло-серого. Он был сделан на закате, во время дождя. Потребовалась 30-секундная выдержка при слабом освещении. И хоть фотография и была сделана в мрачное время, она не передает депрессивное настроение.

Когда я напечатал это изображение в первый раз, я был озабочен отсутствием белого (не из-за того, как оно выглядело, но потому что я никогда еще не делал отпечатков без белого или светло-серого). Поэтому я попробовал напечатать его разными способами. Сначала я попробовал повысить контраст для получения более светлого серого, сохраняя темные тона. Затем я напечатал его более светлым. Ни один вариант не передал чувство, которое я помнил. Я вернулся к оригинальному отпечатку изображения, понимая, что для чувства, которое я хотел передать – тихого, спокойного, умиротворяющего – белый или светлый серый были нежелательными.

Хорошо выполненный отпечаток в высоком ключе обычно передает чувство легкости и света, и определенный оптимизм. Творческий фотограф может использовать эти тона и для передачи мрачного настроения. Я видел подобные эффекты, и думаю, что каждый фотограф должен изучать, когда, где, и как их получать.

 

Самые темные части этого отпечатка даже не средне-серые. Темные тона были бы неприемлемы; они уничтожили бы ощущение света, заполняющего картину. Неписаное правило, что отпечаток должен содержать чистый белый и черный, должно быть проигнорировано, как и все прочие правила искусства и личного выражения. Рис. 3-4. Солнечный свет. Сакраменто.

Самая светлая часть этого изображения, небо, не кажется белым или даже светло-серым. Детали ворот и деревья были едва видимы на закате. Яркие тона были бы неприемлемы. Как и на рис. 3-4, правило о черном и белом должно быть проигнорировано. Рис. 3-4. Ворота, Lanercost.

Может ли отпечаток в низком ключе передать чувство открытости и оптимизма? Картина Анселя Адамса “Moonrise Over Hernandez” заполнена глубокими тонами, но отпечаток сияет оптимизмом. Его отпечаток светится белыми и светлыми тонами луны, облаков, и даже деревушкой на переднем плане. Можно ли получить оптимизм без ярких светлых тонов и без высокого общего контраста?

В большинстве случаев, глубокие тона передают силу и стабильность, и иногда пессимизм, таинственность и мрачность. Высокий контраст подчеркивает яркость и драматичность, а низкий подчеркивает тишину. Конечно же, эти утверждения правдивы в большинстве случаев! Творческий художник, владеющий навыками, может перевернуть эти утверждения с ног на голову, усиливая эффект своего произведения неожиданностью.

 

Многие фотографы, в особенности начинающие, преувеличивают высокий контраст в большинстве своих отпечатков. Насыщенный черный и сияющий белый обычно вызывают немедленную позитивную реакцию зрителей благодаря своей захватывающей природе, но зачастую после первого воздействия, зритель остается ни с чем, оценив содержание изображения. К сожалению, начинающие вдохновляются первичной реакцией зрителя, и продолжают печатать с чрезмерным контрастом и слишком глубокими тонами. Я не могу сосчитать количество раз, когда я видел студенческие отпечатки на семинарах, которые были выполнены неуместно темными и мрачными для достижения драматического или таинственного эффекта, которые получились просто неуместно темными и мрачными! Похоже, что это – часто встречающаяся ловушка для начинающих (включая меня), которые хотят моментально превратиться в Анселя Адамса, Бретта Вестона или Юсуфа Карша. Только те, кто способен к объективному анализу реакций зрителей и самих себя, может понять, как более тонкий подход может улучшить большинство картин. Некоторым нужен низкий контраст. И некоторым на самом деле нужен высокий. Всегда лучше подгонять контраст и тональность под желаемое настроение, чем придерживаться стандартной формулы печати.

Как насчет средних тонов, средних серых? С ними часто сложнее всего работать, потому что они могут быть удивительно скучными, если их неправильно использовать. Средний серый, даже по названию, вызывает зевоту. Но подумайте о нем как о среднем серебристом! Когда средние серые начинают сиять как средние серебристые, фотограф достигает чего-то экстраординарного.

Тонкость и яркость в печати приходят из всех тональностей. Слишком часто средние тона пропускаются как всего лишь переходные элементы между «важными» черными и белыми тонами, но они могут быть сердцем картины. В портретах средние тона могут передать характер человека своим богатством. Обычно не черный и не белый создают портрет, но средние тона, которые показывают гладкость или неровность кожи, каждую пору носа или щек, и округлость или резкость лица. Джей Дюсард, с которым я проработал несколько лет, является величайшим мастером превращения средних серых в средние серебряные. С расстояния многие из его отпечатков выглядят неразличимыми, иногда даже мутными, но при близком рассмотрении они начинают светиться внутренним богатством. Он использует сияющие средние тона в своем творчестве, как в портретах, так и в пейзажах.

Средние тона также важны и в пейзажах, и в студии, и в натюрмортах, и в коммерческой и архитектурной фотографии, при любом возможном объекте. На самом деле, средние тона требуют самого большого внимания, потому что именно они могут убить отпечаток. Также они могут придать отпечатку самые тонкие черты.

Вы можете изменить тональность любой картины для лучшего самовыражения. Вы можете напечатать любое изображение более светлым или более темным, чем реальная сцена. Это является частью концепции визуализации конечного отпечатка перед съемкой, которая будет глубже рассмотрена в следующей главе. Отпечаток – ваше творение, и вы можете делать с ним что угодно. Но всегда помните о ловушке приложения чрезмерных усилий в попытках создать настроение, которые всегда приводят к искусственности. Придерживайтесь ваших искренних ощущений и выражайте их самыми подходящими тонами и контрастом. Вы получите самые сильные фотографии, если будете честны.

 

 

Пример того, от чего у меня поднимается давление

Я получил сегодня письмо – должен признать, я просто был в списке рассылки – от галереи. Я хотел бы привести его здесь, потому что оно поможет проиллюстрировать тему. В нем было написано: Дорогой Коллекционер,

Меньше двух лет назад у меня были проблемы с продажей принтов Дианы Арбус по цене в $4,500, даже несмотря на то, что я сказал, что грядет большая выставка, и работы поднимутся в цене. Пусть это будет уроком. Ли Фридлендер поднимет цены в течение нескольких месяцев. Он не хочет давать мне точную дату, потому что не хочет получить вал заказов. И, хоть цены и не вырастут драматически, многие считают Фридлендера величайшим из живущих американских фотографов. Он должен немедленно подняться в топы списков всех коллекционеров. Считайте, что вас предупредили!

Затем шла подпись владельца галереи. Это был один из самых явных примеров глупости в ценообразовании, который я когда-либо видел, но он точно не является единственным. Посыл этого письма в том, что вы должны купить работы не потому, что они великие; вы должны купить их даже не потому, что они вам нравятся; вы должны купить их, потому что они вырастут в цене – потому что это отличная инвестиция. Владелец галереи в данном случае не продает произведения, он продает стоки и бонды; он продает фьючерсы. Он не делает ничего, что помогло бы фотографии. На самом деле, это весьма нелепое предложение, с которого можно начать.

Ли Фридлендер предположительно не хочет объявлять точную дату повышения цен, потому что боится «вала заказов»? Вала заказов? Простите, ребята, но я не куплюсь на это. Не бывает «вала заказов», если вы продаете работы по $2,000, $3,000, $4,000, $5,000. Мы не знаем, каковы точные цены на его работы, но никакого вала не будет. Я думаю, они продадут несколько работ; они продадут несколько работ нескольким элитным покупателям. Но они точно не продадут множество работ людям, которые, может, и любят Ли Фридлендера, но являются нормальными людьми, которые имеют нормальный доход. Это выглядит абсурдным для меня.

Вот еще один способ проиллюстрировать тему: сколько богатых рок-звезд появилось в последние 30 лет? Сколько богатых кинозвезд появилось в последние 100 лет? Сколько актеров из ТВ разбогатели благодаря своему таланту? Вы понимаете, что кинозвезды продают билеты по $7.50 за штуку? Рок-звезды продают CD по $10-$15 за штуку. Люди из ТВ – их продукт доступен бесплатно (кроме платы за кабельное). Однако фотография пытается создать богатство и рынок, настаивая на том, что ее покупка является хорошей инвестицией – и задирая цены до небес. Это продажа воздуха. Это испортит мои отношения с галереями, но я обязан озвучить это. Это – продажа воздуха. Когда галереи задирают цены все выше и выше и выше, и продают произведения, основываясь на идее, что это является инвестицией – что ж, это просто отталкивает 98-99% людей, и заставляет их печалиться, потому, что они не могут позволить себе купить оригинальные фотографии. Полагаю, нам следует просто покупать книги и радоваться этому. Это неплохая альтернатива, но подобный элитизм раздражает меня.

Я не привожу этот аргумент, основываясь на идее классовой разницы; я делаю это потому, что элитарный подход к продаже произведений чрезвычайно разрушителен для нашей индустрии. Он не помогает пробиться новым фотографам, не помогает потребителям получать продукт, и совершенно не помогает посредникам, галереям, и продавцам – на самом деле, я сомневаюсь, что он помогает и самим фотографам. Думаю, это неразумно. Думаю, это глупо. Думаю, что ни одна индустрия в мире не работает подобным образом, но это так приятно для эго тех, кто преуспевает в этом. Но именно поэтому, я думаю, фотография является малюсенькой отраслью с несколькими тысячами серьезных коллекционеров, а другие формы развлечений и творчества – такие как музыка и кино – имеют десятки тысяч творческих людей, которые живут на прибыль от своего занятия. И поэтому в фотографии – если вы хотите зарабатывать ей на жизнь – вам стоит снимать портреты и свадьбы.

Простите, галереи, но я должен был сказать это. И я думаю, что это просто глупо. Если вы не согласны со мной, я хотел бы увидеть аргумент, доказывающий, что для фотографии полезно быть доступной только для богатой элиты, которая может позволить себе покупку дорогих произведений по ценам, превышающим месячный доход среднего человека. Я хочу получить от вас аргумент, который доказывает, что это – хороший и цельный фундамент, на котором можно построить здоровую индустрию для наших произведений. Я не думаю, что вы сможете привести подобный аргумент. По крайней мере, я не знаком ни с одной индустрией, которая развивалась бы, будучи доступной только для элиты, и закрытой для масс. Так просто не бывает. И очень жаль, что это случилось с фотографией.

 

 

Старые негативы

В течение 30 лет я прилежно каталогизировал и хранил каждый созданный мной негатив, включая неудачные. Я могу мгновенно найти любой из них, потому что мой каталог чрезвычайно хорош. Но зачем? Мне не интересно возвращаться в прошлое и печатать негативы, которым 30 лет, но по какой-то причине я храню их, полагая, что однажды я могу вернуться и посмотреть на старые негативы и сделать из них великие произведения. Но сейчас, спустя 30 лет после начала, я могу честно сказать, что большая часть этих снимков – на самом деле, практически все они – почти не интересны мне. Мне интересно то, чем я занимаюсь сегодня.

 

Так зачем я хранил их все это время? Я подозреваю, что дело в великом фотографическом мифе: в идее, что, поскольку мы заключили творение в негативе, однажды мы сможем напечатать его и создать великое произведение. В реальности, произведение не в негативе; произведение в художнике.

 

И сейчас, когда мне на 30 лет больше, автор этих работ выглядит для меня таким незрелым, и…я был начинающим. Так что я не уверен, что можно сделать с этими негативами. Они не занимают много места, и я, скорее всего, оставлю их. Но урок в этом, как мне кажется, в том, что создание произведений происходит в реальности, а не в будущем. Сегодняшнее мое видение должно быть завершено сегодня, потому что завтра оно может быть другим.

 

Простота и сложность

Существуют вопросы, противоположные рассмотренным ранее, и стоит их рассмотреть, пусть даже и поверхностно. Существенная часть современных мыслителей утверждает, что сегодняшний мир сложен, диссонантен, раздроблен и жесток. Поскольку искусство отражает состояние общества, было бы недобросовестно и даже абсурдно отказываться от этих элементов в пользу устаревших концепций простоты и гармонии. Если неопределенность лучше выражается противоположными принципами, то так же могут быть выражены и эти аспекты жизни. Подобные мысли приводят к радикально иному подходу, который имеет право на существование. Это не мой подход, но он может быть вашим. Он существенно опирается на вашу точку зрения, и в меньшей степени на сам объект. Я полагаю, что визуальное представление даже самого сложного, непонятного и негармоничного объекта должно содержать внутреннюю простоту и единство для достижения максимального эффекта – как четкое заявление имеет большую силу, чем длинная и путаная речь. Иллюстрирование диссонанса и сложности еще большей сложностью и диссонансом выглядит для меня лишь бессмысленным, не проливающим свет на вопрос, заявлением о том, что мир беспорядочен.

Кроме того, эти элементы, без сомнения, являющиеся неудачными частями современного мира, вовсе не новы. Они всегда были здесь. Когда цивилизация не переживала жестокость, ненависть, войны, противоречия, нерешенные проблемы и неожиданные катастрофы? Искусство может иллюстрировать этот неидеальный мир, изолируя его части в понятной манере. Простота и единство кажется мне самым легким в понимании подходом, имеющим огромное воздействие. И я обязан добавить, что этот подход работает для меня в большинстве случаев, но не всегда.

Я полагаю, что определенное количество диссонанса, сложности, или неясности, может быть полезным или терпимым, но не в огромных дозах, не несущих просветления. И снова, должно ли искусство нести просветление? Возможно. Возможно и нет. Я думаю, что ему следует, но ваше решение основывается на вашем выборе. Этот вопрос приводит к основному из всех вопросов об искусстве: «Что такое искусство?». Пытаться ответить на этот вопрос – все равно, что пытаться поймать облако. Несмотря на невозможность формулирования осмысленного ответа, мы можем полагаться на тот факт, что у каждого человека есть его мнения, предпочтения, антипатии и границы. Это всегда сводится к часто повторяемой фразе, «Я не знаю, что такое хорошо, но я знаю, что мне нравится!». Думаю, что искусство должно поставлять удовлетворяющие визуальные представления о реальном или воображаемом мире. Для меня простота и единство – удовлетворяющие, а путаница и диссонанс сравнительно неудовлетворяющие (этот вопрос будет более детально рассмотрен в гл.15)

 

Возможно, это самое близкое к живописи Джексона Поллока, из моих произведений. Видите ли вы, что на нем? Увидели ли вы это сразу, или вам потребовалось время? Рис.2-5. Камуфляж

Другой вопрос затрагивает только концепцию простоты, и бросает вызов ее заявленной позиции. Эта концепция подразумевает, что сложность не только важна, но и необходима для любого великого произведения. Для демонстрации ее приводится Девятая Симфония Бетховена в сравнении с детской песенкой, заявляя, что симфония является более великим произведением, потому что она сложнее, игнорируя тот факт, что песенка более «совершенна» и приятна для прослушивания. Я полностью согласен с этим.

Это может казаться противоречащим некоторым мыслям из написанных ранее, но это кажущееся противоречие можно легко объяснить. Девятая Симфония, хоть и является чрезвычайно сложной, но потрясающее мастерство Бетховена постоянно контролирует ее. Более слабый композитор не справился бы с подобным контролем. Бетховен связал сложность и динамику. Подобным образом, мастер фотографии может контролировать большую сложность, чем начинающий. Стремясь к простоте, начинающий может создавать достойные работы, и работать над получением контроля над более сложными композициями, в то время как его понимание носителя – и уверенность в себе – растет. Делая это, он или она, возможно, создаст более осмысленные изображения. Я думаю, что сложность необходима для великих произведений, но ее надо контролировать.

Последний вопрос, который я хочу рассмотреть, это концепция почти неконтролируемой сложности в качестве ядра художественного выражения. Взгляните на работы Джексона Поллока, которого высоко оценивают критики. Его картины нельзя назвать простыми, пусть даже они и выглядят цельными в том, что глаз постоянно улавливает одинаковые элементы, знакомясь с ними. Научный анализ его работ показывает, что в их основе могут лежать фрактальные элементы – когда вы смотрите на маленькие фрагменты работ, вы продолжаете находить похожие структуры. Это изумительно, как с научной, так и с творческой точки зрения. Однако я должен заметить, что работы Поллока ничего не говорят мне. Я нахожу их бесформенными, мутными, и не вызывающими интереса. Я не согласен с большинством критиков, но таково мое право. Вы должны принимать решения самостоятельно в подобных вопросах.

У меня есть несколько фотографий, которые нелегко увидеть или воспринять с первого взгляда. Одна из них, которую я назвал «Камуфляж», чрезвычайно похожа на картину Джексона Поллока, в ней содержатся центры интереса, спрятанные от взгляда (рис. 2-5). Другая (рис. 2-6) содержит настолько маленький центр интереса (женщина, просящая милостыню у входа), что зритель не замечает его при первом просмотре. Но стоит заметить ее, и она становится центром интереса.

Я поднял эти вопросы, чтобы вы могли подумать о них, внедрить их в ваш способ видения и мышления, если они подходят для вас – и отвергнуть, если они не подходят. Этот процесс должен стать частью вашего собственного философского подхода к фотографии. Фотография – не простая последовательность действий, заключающаяся в подъеме камеры, ее направлении, и нажатии спуска. Это процесс осмысленного наложения вашей точки зрения на картину. Она требует творческого мышления, а это не просто. Идеи, выраженные здесь – просто попытки стимулировать ваше мышление и креативность.

 

Изнутри Храма в Мехико, я увидел женщину, просившую милостыню, сидя у входа позади стеклянных панелей. Сильные линии света создавали композиционное единство. И, хоть женщина и является центром интереса, вы не видите ее сразу. Она слишком мала для этого. Но, стоит увидеть ее, картина приобретает другой смысл. Рис. 2-6. Женщина, просящая милостыню.

Почему фиксы делают лучшие снимки

Введение Для ясности, объективы не делают снимки. Камеры тоже их не делают – снимки делают люди. Просто так название выглядело лучше.

После долгой съемки фиксами вместо зумов, я понял, что фиксы заставляют меня видеть лучше, и тем самым создают лучшие снимки, чем зумы. Еще они существенно меньше весят, поэтому их удобнее носить с собой целый день.

 

Визуализация

Хорошие снимки получаются, когда вы видите что-то, достойное съемки, и выстраиваете сильную композицию.

Лучший способ делать плохие снимки – просто почувствовать, что можно сделать снимок, и просто снять с того места, где вы это ощутили. Если вы снимаете, не думая, потом вы смотрите на снимок и спрашиваете себя «о чем я думал вообще?», потому что вы не думали.

ЖОПАние учит нас обдумывать и обрабатывать увиденное для создания хорошей картины.

Снимая на фикс, или на несколько фиксов, вы заранее знаете их поле зрения. Вы видите, что может создать хорошую композицию, еще до того, как соберетесь снимать. Вы знаете, что помещается в поле зрения вашей камеры, и находитесь в состоянии выстраивания композиции.

Снимая на зум, вы не думаете, глядя по сторонам. С зумом вы не думаете о том, как разместить элементы в прямоугольнике до тех пор, пока вы не остановитесь для съемки чего-то интересного. Может, это что-то и создаст хороший снимок, а может и нет. Вы не думаете; вы просто осматриваетесь.

Попользовавшись фиксом некоторое время, вы начинаете распознавать поле зрения, не глядя в видоискатель. Поскольку вы уже знаете, что помещается в нем, вы начинаете видеть композиции на ходу. Вы можете видеть с разных углов и высот, просто перемещаясь вокруг, не нуждаясь в камере.

С фиксированным размером поля зрения фиксов, отличные снимки начинают появляться в вашей голове на ходу, потому что размеры их композиционных прямоугольников становятся интуитивными. Вам не нужно смотреть в видоискатель до завершения визуализации.

 

Увлекательность

О зумах часто думают как о более увлекательных в использовании, но так было давно, когда они были гораздо меньше и легче, чем современные.

Сегодняшние зумы бесконтрольно растут. Каждый современный зум с f/2.8 весит больше чем набор из нескольких фиксов.

Я никогда не видел человека, который наслаждался бы ношением двух или трех зумов с f/2.8 в течение дня. К концу дня их обычно хочется бросить в отеле. Если это не приятно, зачем делать это?

С маленькими фиксами вы легки и мобильны. Вы хорошо проводите время, гуляя весь день, не ощущая никаких затруднений в том, чтобы носить их .

Если вы хотите получить удовольствие от съемки на зум, попробуйте адекватный зум, такой как Nikon 28-70 f/3.5-4.5, а не безумный 24-70 f/2.8. Последний приятно рассматривать в магазине, наслаждаясь размерами линз, а второй приятно носить весь день, снимая для собственного удовольствия.

Люди начинают думать, что зумы – единственный тип объективов, и зачастую берут с собой несколько штук! Некоторые из них могут носить по три зума за раз.

 

Действенность

С зумами легко делать бездумные снимки, потому что достаточно повернуть кольцо, чтобы поместить что-то в кадр, не двигаясь с места.

С фиксами нам приходится побегать. Это делает нас мобильными и ищущими лучшие точки зрения, а не просто лучший угол с одной точки.

Мы должны двигаться, чтобы найти лучший угол; лучший угол крайне редко находится в той точке, где мы впервые замечаем что-то интересное.

Все, что заставляет нас двигаться и видеть вещи с разных углов, приводит к лучшим картинам.

Съемка с фиксами быстрее. Поскольку вы держите картину в голове еще до поднятия камеры, вы готовы снимать без промедления. Вам не нужно останавливаться и вертеть кольца для выстраивания кадра. С фиксом вы уже на нужном фокусном расстоянии.

 

Достаточно ли трех фиксов?

На самом деле, трех фиксов более чем достаточно. Когда вы учитесь видеть, даже одного фикса достаточно, а большее их количество только отвлекает вас.

Я серьезно: я думал как большинство людей, и боялся, что упущу кадр, если не буду носить с собой все возможные объективы от 14мм до 400мм каждый раз, выходя из дома. Сегодня я отправляюсь в недельные походы и не беру ничего, кроме 28мм, 50мм, и 100мм. И к концу недели думаю, что мог бы и оставить 100мм дома.

Учась делать больше снимков с меньшим количеством объективов, мы видим и обдумываем изображения интуитивно, не тратя время на волнение о смене объективов. Вместо того, чтобы тратить ограниченное количество внимания и концентрации на мысли «а что если», или «может, попробовать 14мм?», мы просто видим прекрасные картины, которые можно сделать обычным 28-мм фиксом, который на камере.

Одного ширика, одного стандартного и одного телевика – более чем достаточно для всего. Меньший выбор объективов позволяет нам тратить силы на видение лучших снимков. Гораздо легче сделать пару шагов для кадрирования, чем менять объективы и пропускать кадр.

 

Технические вопросы

Зумы проделали долгий путь с момента их изобретения во Франции в 1950-х, и с момента прихода их популярности в конце 1970-х. Технически, лучшие современные зумы превосходят старую конструкцию фиксов, но обычные зумы до сих пор не могут справиться с ними.

Ни один зум не может превзойти самый дешевый 50мм-фикс в резкости, и почти всегда имеет гораздо больше дисторсии.

Фиксы гораздо быстрее зумов. Самые быстрые зумы у Canon и Nikon – лишь f/2.8, в то время как фиксы обычно на несколько стопов быстрее. Медленный фикс, такой как f/2, пропускает вдвое больше света, чем зум с f/2.8, позволяя снимать при меньшем значении ISO при той же выдержке в слабом свете.

Снимая на цифру, люди пользуются еще более медленными f/4 про-зумами. Я предпочитаю старые медленные зумы с f/4 современным монстрам с f/2.8, но они на три стопа (в восемь раз!) менее чувствительны к свету, чем объектив с f/1.4. Это значит, что вам нужно восьмикратное значение ISO, чтобы сделать то же самое в слабом свете! Стабилизаторы помогают снимать неподвижные объекты, но не помогают при съемке движения. Для съемки людей вам нужна скорость объектива, а не стабилизатор.

Я упомянул цену? Вы можете получить превосходный 50мм f/1.8 объектив от Canon или Nikon за $100. Любой из них обладает потрясающей резкостью, дисторсией и гораздо более высокой скоростью, чем любой зум за $1,800.

 

 

Выводы

Зумы просты и забавны. Вот почему они продаются больше, чем фиксы с 1980-х.

Зумы также завлекают нас в ловушку создания бездумных снимков, мешая внимательно создавать изумительные картины. Зумы делают нас слабее, потому что позволяют не думать на ходу, или вообще не думать.

С фиксами вы знаете, что поместится в объектив, не глядя в видоискатель. Вы можете создавать композиции на ходу.

Фиксы заставляют нас двигаться и видеть лучше, потому что мы знаем, что поместиться в кадре.

Техническое превосходство и более высокая скорость фиксов – лишь побочные преимущества. Настоящее преимущество фиксов в том, что они заставляют нас лучше видеть, что приводит к лучшим снимкам.

Хорошие снимки редко случайны. Хорошие снимки приходят благодаря усилиям.

 

Единство идеи

Термин «единство идеи» исходит из определения композиции, приведенного ранее как «единое, гармоничное целое». Это значит, что все элементы фотографии работают вместе, то есть, центральная концепция лежит в основе фотографии. Эта концепция зачастую сужается до концепции центра интереса. Позвольте мне продемонстрировать различия между центром интереса и единой идеей, используя два примера из прошлой части (рис. 2-2 и 2-3). Первая фотография показывает раскинувшееся дерево на границе поля (рис. 2-2). Эффективно снять этого старого гиганта можно было бы, поставив его напротив неба, а не на фоне похожих деревьев. Даже на фоне похожих деревьев он настолько доминировал, чтобы полностью захватить внимание, делая фоновые деревья бессмысленными. Такое очевидное доминирование фокусирует внимание зрителя на дереве. Ясно, что именно дерево является объектом внимания и изучения. Это – центр интереса.

Предположим, однако, что объектом является туман. Как вы снимете туман, и как вы передадите настроение туманного дня? Одним из возможных способов сделать это являются деревья, или иные объекты, растворяющиеся в тумане. Ни одно из деревьев не будет выделяться как центр интереса, и, на самом деле, не будет важным (кроме как во взаимодействии его формы с другими деревьями). Туман, в свою очередь, является объединяющей идеей. Сам по себе туман не видим, он представляет собой белую (или серую) бесформенную массу, но его присутствие можно подчеркнуть утопающими в нем деревьями (рис. 2-3).

Если вы сконцентрируетесь на объединяющей идее, ваши фотографии будут цельными. Это – визуальный эквивалент речи на конкретную тему, без бесцельной болтовни. Следите за тем, чтобы не позволить определению «единой идеи» стать слишком широким. Легко сказать «Природа является объединяющей идеей» в качестве оправдания съемки всего подряд!

 

Простота

 

Для начинающего простота является необходимостью. Чем проще композиция, тем вероятнее, что автор сохранит контроль и направит внимание зрителя на важные элементы. Это также правдиво и для продвинутых фотографов, но их опыт и навыки позволят упрощать и контролировать более сложные ситуации. Это правдиво и для живописцев и скульпторов – и для всех визуальных художников. Это даже правдиво для композиторов, если заменить зрителя на слушателя.

Важность простоты нельзя преувеличить. Годами я наблюдаю, как самые неудачные снимки проваливаются, потому что они слишком сложны (учитывая, что они технически достойны, конечно же), а не потому, что они просты. Фотограф неспособен четко и ясно объяснить свои мысли, и получающиеся фотографии иллюстрируют его неконкретность и отсутствие направления. В некоторых случаях это может быть именно тем, что задумывалось, но в большинстве случаев это не так.

 

Взгляните на собственные работы и спросите себя, какова была цель каждой из них. Можете ли вы ответить на этот вопрос четко? Попробуйте. Отвлекитесь от этого текста и проанализируйте несколько своих снимков так, как если бы они были чужими. Постарайтесь быть объективными. Бессвязный ответ на ключевой вопрос обычно показывает, что фотография неоднозначна. Она четкая, конкретная и простая, или сложная, нечеткая, запутанная или просто неважная? Еще раз, вы специально старались выразить нечеткость и многозначность, или пытались создать сложность или запутанность? Если так, вам следует существенно изменить свой подход, чтобы лучше достигать поставленных целей. Знайте свои мотивы, и заявляйте их просто и ясно, даже если они звучат как «я запутался!». Это может выглядеть противоречиво на первый взгляд, но это не так.

 

В начале этой главы я предложил медленно просмотреть ваши работы, задаваясь вопросами из первой главы. Я повторю это предложение снова. Хоть это и может выглядеть чрезмерным, я настаиваю на том, чтобы вы сделали это. Если вы решились потратить время на чтение этого текста, сделайте это стоящим того, применяя прочитанное к собственной фотографии. Этот процесс также поможет вам лучше понять себя, свои цели и методы.

 

 

Выражение вашей точки зрения

 

В заголовке подразумевается более глубокий вопрос, является ли ваша точка зрения видимой. Без точки зрения в изображении всегда будет двусмысленность, которую нельзя победить одними лишь простотой и цельностью. Идеальным примером этого являются портреты выпускников. В них нет комментария или точки зрения фотографа. Каждый студент входит, надевает мантию, позирует, и выходит. Фотограф не знает студента, не имеет времени на знакомство с ним, и не интересуется им. Результат предсказуемо не является впечатляющим. Это лицо. Оно простое и цельное, но художественно пустое.

На более сложном уровне попытки сделать осмысленный портрет будут проваливаться до тех пор, пока между фотографом и объектом не возникнет связь (если не связь, то хотя бы осмысленный контакт или сильное впечатление). Фотограф должен знать объект, быть заинтересованным в нем, иметь о нем мнение, и пытаться выразить те стороны личности объекта, которые наиболее сильно поразили его. В некоторых случаях фотограф должен полагаться на первое впечатление, потому что редко существует возможность провести достаточно времени с объектами чтобы изучить их.

Недостаток времени типичен для всех областей фотографии. Анри Картье-Брессон не проводил недели на определенной улице перед тем, как снимать происходящее там. Юсуф Карш не имел возможности проводить дни с Уинстоном Черчиллем перед тем, как сделать знаменитый портрет. Ансель Адамс рассказывал о том, как он торопился, фотографируя “Moonrise Over Hernandez”. Первое впечатление - часто единственное, что фотограф получает от объекта, поэтому его восприятие и понимание должны быть быстрыми и точными.

Удивительно, но это правда и в случаях, когда объект недвижим, например, в случае с пейзажем, потому что свет и другие условия всегда меняются – иногда с изумительной скоростью! Пейзаж – постоянно меняющаяся ситуация, и фотограф редко может лениво изучать его; но он все равно должен успеть проанализировать его. Если вы можете быстро распознать свою реакцию, понять, как вы хотите ее выразить, выстроить композицию с простотой и с единой идеей, у вас будет хороший шанс успешно передать свои мысли.

 

Стю – хороший друг, чудесный врач, тонкий мыслитель и отличный фотограф. Во время семинара, который мы вели, я захотел сделать его портрет. Я хотел показать его в естественной обстановке, которая подходит ему так же хорошо, как и его врачебный кабинет. Рис. 2-4. Стю Леви в Waterholes Canyon

 

Эдвард Вестон определял хорошую композицию как «сильнейший способ видения». Некоторым не нравится это определение, потому что оно не дает понимания того, как выстраивать композицию. Но это исключительное определение. Оно избегает правил композиции и намеренно соотносит композицию и видение. Оно говорит о «силе видения», другими словами, об искусстве создания сильного визуального заявление. Я верю, что Вестон полностью согласился бы с тем, что простота и единство вместе придают силу фотографии.

 

Главный носитель фотографии

Я вызвал мини-фурор в тот день, когда сказал, что книги являются главным носителем фотографии, и что галереи и музеи не сравнятся с ними. И я просто хочу сделать небольшое пояснение, потому что это весьма радикальная точка зрения. Без сомнения, оригинальным носителем фотографии является художественный отпечаток. За исключением цифровых фотографий и слайдов, конечно же, но я отвлекся. Главный носитель фотографии отличается от оригинального носителя. Под этим я подразумеваю, что вы и я знакомы с фотографиями из книг. Я могу воскресить из памяти столько фотографий, которые повлияли на меня и важны для меня и моей жизни, и которые я, как фотограф, высоко оцениваю, но оригиналы которых я никогда не видел. Я видел их только в книгах репродукций.

Я могу сказать, что основной носитель музыки – диск, но ее оригинал – концерт. Большинство людей слушает музыку на дисках, но редко бывает на концертах. Вот, что я пытаюсь сказать. Полагаю, стоит еще заметить, что существуют и веб-сайты, журналы и другие формы репродукции (постеры и прочее) – все, что берет фотографию и выносит ее за границы галерей и музеев. Главное ограничение выставок в галереях и музеях в том, что они ограничены в пространстве и во времени – два серьезных ограничения, которых не имеют книги и другие печатные носители.

Вот почему я считаю, что книги – главный носитель фотографии.

Глава 2. Что такое композиция? ч.1

ПЕРЕД ДАЛЬНЕЙШИМ ЧТЕНИЕМ вам стоит неторопливо изучить свои снимки, отвечая на вопросы первой главы, чтобы лучше оценивать собственные работы. Я считаю, что подобная оценка чрезвычайно важна и должна производиться периодически. Полагаю, что вы уже сделали это, и у вас возник ряд вопросов о том, как наиболее эффективно выражать свои мысли фотографически. Выходит, что самые эффективные техники варьируются от объекта к объекту и от художника к художнику. Нет общего правила. Напротив, искусство не приемлет правил. Одно утверждение можно сделать по отношению к любому результату творчества: он должен содержать хорошую композицию. Будь то портрет, панорамный пейзаж, натюрморт, или что-либо еще, только имея хорошую композицию, он приобретает смысл и важность (на самом деле, это можно расширить и на другие формы искусства, включая визуальные и невизуальные формы. Даже музыка требует хорошей композиции!).

Но вы можете спросить, что такое хорошая композиция? И вообще, что такое композиция? Этот термин постоянно используется, иногда обсуждается или определяется, редко понимается, и почти никогда не изучается. Попробуйте дать ей определение, и вы увидите, насколько это сложно.

Мой словарь дает такое определение: «расположение частей произведения искусства, формирующее единое гармоничное целое». Отличное начало. «Единое гармоничное целое». Это ключевая фраза. Если фотография является вашим способом самовыражения, то композиция должна быть проводником, при помощи которого вы выражаете себя четко, емко и гладко.  Композиция – способ вовлечения зрителя в вашу фотографию и удержания его внимания на время, необходимое для понимания вашего сообщения и его собственных ощущений.

 

 

Листья создают ритмичную последовательность металлических форм, перемежающихся глубокими черными проемами (пространство между листьев), которые имеют интересную форму, исполняя роль негативного пространства для позитивного пространства листьев. Здесь нет центра интереса. Здесь есть узор, заставляющий глаз двигаться по изображению. Рис.2-1. Листья. Вашингтон.

 

Грандиозный дуб является четким центром интереса. Фоновые деревья создают ритмическую противоположность. Рис.2-2. Дуб. Остров Сапело.

 

Нам предстоит глубже погрузиться в определение из словаря, но вначале нам требуется краткое физиологическое описание процесса человеческого зрения для применения определения к фотографии.

 

 

Как видит человеческий глаз

 

Глаз не видит всю картину сразу. Он воспринимает мир маленькими кусочками, которые затем собираются вместе, формируя полную картину. Угол резкого видения чрезвычайно мал. Чтобы понять, что это значит, попробуйте сделать следующее: выпрямите руку, расположив кисть так, как если бы вы опирались на стену; вы должны смотреть на тыльную сторону кисти на расстоянии вытянутой руки. Теперь посмотрите на большой палец. Сделав это, вы обнаружите, что мизинец находится вне фокуса! Вам необходимо перемещать глаза для того, чтобы увидеть мизинец четко. Хоть он не так уж и далеко от большого пальца. На самом деле, остальные пальцы тоже вне фокуса, демонстрируя границы резкого видения.

Учитывая, что глаз способен видеть только маленькие кусочки, он должен очень быстро перемещаться для восприятия всей картины. Он не делает это каким-то определенным способом, как сканер. Напротив, он мечется случайно, вверх и вниз, из стороны в сторону, воспринимая точки и обрывки здесь и там, и отправляя добычу в мозг с безумным усердием. Мозг обрабатывает эти случайные данные и собирает их вместе, как паззл или мозаику. Изучая картину, глаз останавливается на объектах и видит их четко, видя остальное размытым. Таким образом, глаз не воспринимает всю картину с одинаковой резкостью или вниманием.

  

Объект здесь – туман. Дальние верхушки деревьев, едва видимые в левом нижнем углу, становятся сюрпризом этого изображения. Без них деревья, тонущие в тумане, сохранили бы ритм, но сюрприз делает картину более интересной. Рис. 2-3. Деревья в тумане. Камбрия.

 

Мы все видим таким способом. Исследователи доказали и подтвердили это много раз. Это физиологический факт. Вы не можете бороться с этим!

 

Зная это, давайте вернемся к обсуждению композиции и дадим ей следующее определение: хорошая композиция является художественным способом направления видения зрителя в запланированном, неслучайном порядке.

Когда композиция фотографии хорошо выстроена, зритель в первую очередь видит те элементы, которые художник хотел сделать выделяющимися и запоминающимися. Затем, зритель замечает вторичные элементы и мелкие детали. Художник ведет зрителя по фотографии при помощи хорошей композиции. Изучение фотографии не происходит бессистемно. Композиция – художественный способ привнесения порядка в неупорядоченный мир. В сущности, именно это и написано в словаре.

 

Примечание: Художник ведет зрителя по фотографии при помощи хорошей композиции.

 

Это определение помогает объяснить, почему изумительный вид часто не получается перенести на фотографию. Вид может быть очень сложным. Глаз воспринимает это, выхватывая самые важные моменты, и заполняя оставшиеся. Но фотография или любое другое визуальное произведение должно организовывать эту информацию. Если она не справляется, то глаз зрителя движется бесцельно, неспособный воспринять сообщение художника, потому что его там нет. Композиция картины не выстраивалась, она была просто выбрана. Такая фотография – не произведение искусства, а лишь фиксация объекта, имеющая критический дефект: в ней нет ощущения присутствия реального объекта.

 

Существует реальная разница между «видением» и «фотографическим видением». Человек может распознать и оценить интересный вид, но может быть неспособен организовать его в эффективную фотографию. Только тот, кто может создавать осмысленное изображение из объекта, может заявить, что «видит фотографически». Понимание композиции и ее применение отделяет художников от «простых фотографов».

Есть два аспекта хорошей композиции, являющиеся критически важными. Первый – концепция единства идеи; второй – простота. И  они сильнейшим образом взаимосвязаны.

 

Это всего лишь носитель

Я люблю электронные гаджеты, и один из них сломался этим утром. У меня был маленький CD-плеер, который мог проигрывать диски, записанные на компьютере, MP3 и WMA файлы. Это был отличный плеер. Он перестал работать этим утром, и не поддавался ремонту, так что я выкинул его в мусор. Сразу же после этого я захотел купить еще один. У меня много музыки на CD, записанной в виде сжатых MP3 и WMA файлов, так что на одном диске я могу хранить много часов музыки. Но еще у меня есть Creative Nomad. Это маленькое устройство с 20-Гб жестким диском – и на нем я могу хранить сотни часов музыки, так что мне не нужны CD. А еще Sony выпустила новый продукт, Hi-MD. На него тоже можно записать много музыки. И я задумался, сколько разных носителей мне необходимо? Мне не нужны все эти вещи; может, мне стоило бы придти к единому носителю. Звучит разумно. Мне, в общем-то не важно, каков носитель – мне важно содержание.  

И это здесь я пришел к фотографии.

Будь она размещена в сети, в книге, на стене, в виде постера, в любом-из-сотен-видов представления – почему так много людей тратят так много времени и энергии на получение высококачественных серебряных отпечатков? Неужели сам носитель имеет какие-то волшебные качества? Это увлекательно – и мы наслаждаемся работой в темной комнате – но в рамках фотографического сообщения или фотографического содержания…хм.

Если мне не важно, каков носитель, когда я слушаю музыку, то почему я должен думать о носителе, глядя на фотографию? Это сложный вопрос для меня, потому что я фотограф, а не музыкант. Но, может, его стоит задавать именно потому, что я фотограф, а не музыкант.

 

 

Как создавать великие фотографии

~ или ~

"Все, что вам на самом деле необходимо знать о фотографии, и чему вас не научат в университете "

Введение

«Фотография заключается в наблюдении, а не в использовании технологии». Кен Роквелл

Как я сделал свои лучшие работы? Замечая что-то особенное и делая снимок. Важная часть здесь – замечание особенного. Снимать просто.

Ваша камера НИКАК не влияет на снимки. Конечно, вы должны овладеть техникой, но это необходимо только для того, чтобы освободить вас для выполнения реально сложной задачи. Сложность в том, чтобы сказать что-то своими работами.

Фотография – искусство. Она абстрактна. Поэтому многим так сложно понять ее. Легко и лениво думать, что камера создает фотографии. Легко винить камеру в плохих снимках. Когда вы вырастете, вы поймете, что давно стоило обращать внимание на свои изображения, а не на камеру.

Все камеры, особенно цифровые, выдают одинаковое качество изображений при реальном их использовании. Настоящая разница в том, как легко вы можете сделать необходимые изменения в настройках для получения достойных снимков при любых условиях, возникающих в реальном мире. Съемка тестовых таблиц в лабораторных условиях полностью игнорирует реальный мир и результат отражает только производительность камеры в конкретных ограниченных условиях, поэтому эти тесты никак не относятся к тому, как выглядят ваши снимки. Вот почему я игнорирую лабораторные тесты и проверяю все сам.

Фотография подобна гольфу. Оба эти занятия интересны, популярны, и требуют наличия определенного оборудования. Очень немногие могут заставить других людей платить им за это по одной и той же причине. Оба эти занятия требуют длительной и непрерывной практики, и прогресс нетороплив и малозаметен. Большинство гольфистов играют десятилетиями и никогда не попадают в лунку. Фотография сложнее гольфа. Почему все вообще могут ожидать, что сделают отличную фотографию?

Терпение

Это не случается по расписанию. Вам придется выходить из дома, осматриваться, и ждать света и вдохновения.

Многие великие снимки были сделаны лишь благодаря многолетнему наблюдению за объектом, изучению его и многократной съемке в лучших условиях. Именно так настоящие фотографы заставляют вещи выглядеть особенными.

Если вы путешествуете с не-фотографами, вам придется придерживаться собственного расписания, вы будете снимать в то время, когда нормальные люди ужинают или еще спят.

Мне тяжело, если кто-то ожидает, что я буду следовать расписанию. Вы на съемках, охвачены красотой природой и собственными безумными идеями и их реализацией. Иногда вы возвращаетесь через 10 минут, иногда вы можете отсутствовать всю ночь, если вас что-то увлекло.

Вы ограничиваете себя, если кто-то ждет, что вы вернетесь в определенное время. Я создал свои лучшие работы, когда позволял группе идти дальше, а сам продолжал работать над тем, что меня увлекло.

Идеал не приходит по расписанию.

Держите глаза открытыми

«Композиция – сильнейший способ видеть». Эдвард Вестон.

Вы видите больше, если вы смотрите. Чем больше вы смотрите, тем больше стоящего фотографирования вы видите. Если вы не думаете и не смотрите, вы пропустите самые потрясающие возможности.

Например, я жил в Беверли Хиллс с 1995 по 1998. Я жил на Мейпл Драйв, на той же улице, где жил Джордж Бернс. Я никогда не видел знаменитостей. Я мог увидеть их только в списках жителей Беверли Хиллс, читая описание района, и восклицая «ничего себе!», но так и не увидел их, даже если они жили в паре домов от меня. Я временами встречал их в студиях, где я работал все время. Почему? Потому что мне было не интересно, и я не искал их. Если бы я был туристом или домохозяйкой, читающей журнал Peoples, и считал, что актеры мне интересны, я бы точно видел знаменитостей каждый день. Когда ко мне приезжали гости, они видели актеров повсюду.

Актеры были повсюду, но я никогда не видел их. Другие видели. Если вас интересует что-то, вы это увидите. Если вам не интересно – вы не видите. Лучшие фотографии не очевидны. Великие возможности не видны, если вы не смотрите. Вот почему их называют возможностями: как и любую другую возможность, вам придется быть внимательным, чтобы заметить их.

Фотографические возможности повсюду. Будьте внимательны, держите глаза открытыми, и ищите их.

Уединенность

Творчество – сольное действие. Я не могу создавать фотографии, если меня отвлекают, за мной наблюдают, или задают вопросы. Мне нужно быть наедине с собой и концентрироваться.

Нет ничего плохого в том, чтобы отправляться снимать в группе. Но вы должны разбивать группу и снимать самостоятельно, добравшись до места. Иначе у всех вас будут одинаковые скучные снимки. Отделяйтесь и смотрите самостоятельно, затем собирайтесь вместе и общайтесь.

Страсть

Фотография - передача страсти и восхищения в сознание и тело зрителя. Если объект не интересует вас, то результаты не достигнут высот. Проявляйте больше интереса и случатся изумительные вещи. Не проявляйте внимания, и вас быстро забудут.

«Если я сильно чувствую что-то, я делаю фотографию. Я не пытаюсь описать чувства». Ансель Адамс.

Фотография – искусство передачи страсти. Вы должны испытывать страсть по отношению к тому, что вы снимаете. Если вы страстны, вы получите отличные результаты. Если вам не важно, их не будет.

Фотография не в технике. Фотография в передаче чего-то, будь то идея, концепция, ощущение, мысль, или что угодно, незнакомцу. Быть эффективной для фотографии, значит быть четкой в том, что она передает. Ансель Адамс сказал «Нет ничего хуже резкой фотографии мутной идеи». Чрезвычайно важно чтобы ваши идеи, мысли или ощущения были кристально ясны в изображении. Знание того, что вы говорите, и заявление этого четко и ясно - вот что создает сильные картины, которые запомнят люди.  Если картины ничего не говорят вам самим, то они еще меньше скажут другим.

«Доказательство пудинга в его поедании». Сервантес. Дон Кихот. 1605.

Сервантес отмечает, что конечный результат, а не процесс, имеет значение.

Таким же образом, оборудование не имеет никакого отношения ко всему этому. Навыки – лишь способ высвободить свои способности к коммуникации, а не сама коммуникация. Многие сваливают собственные проблемы на оборудование и полагают, что простая покупка большего поможет решить проблему, оправдывая собственную неспособность сделать умственное усилие, большее, чем поход в магазин. Вы бы умерли от смеха, прочитай вы письма, которые приходят ко мне через этот сайт: 99% процентов из них написаны мужчинами, которые думаю, что все, что им надо сделать – потратить еще денег, а отличные снимки получатся сами по себе. Вы должны погружаться глубже и чувствовать всерьез. Вам не нужно больше денег и оборудования, чем у вас уже есть. Черт, я делал отличные снимки и на дешевые мыльницы.

Таким же образом, вы должны тратить на нее время. Обычно, достойная работа не получается за 5 минут. Странно, как много раз я видел в популярных местах десятки туристов, быстро щелкающих по сторонам и исчезающих, пока я пытаюсь сконцентрироваться, почувствовать и понять снимок, который собираюсь сделать. Такие вещи нельзя торопить!

Все в вашем сознании и воображении.

Невозможно постоянно делать одно и то же. Необходимо постоянно расти и изобретать новые способы делать что-то. Видеть и ощущать вещи с разных углов и разных сторон.

И вы должны делать это с одним и тем же объектом. Чем лучше вы знаете его, тем лучше будут ваши результаты.

Скульптор Генри Мур сказал: «Искусство – выражение воображения, а не копирование реальности».

Фотограф Эллиот Портер сказал: «Истинное искусство – выражение нашей любви к природе» и «Истинное произведение искусства – воплощение любви, любви к объекту и к носителю».

И даже Альберт Эйнштейн сказал: «Воображение важнее знаний».

Хороший фотограф создает великие снимки даже одноразовой мыльницей, потому что знает ее границы и способы ее использования. С другой стороны, множество плохих фотографий создается ежедневно очень дорогими камерами в руках людей, у которых нет страсти и видения, вне зависимости от их технических навыков и резкости объективов.

Люди пишут романы, а не клавиатуры. Так почему некоторые полагают, что покупка другой камеры или изучение всего о выдержках поможет им создавать лучшие снимки? Люди делают фотографии, а не камеры. Ваш выбор камеры не имеет НИКАКОГО отношения ни к чему. НИКАКОГО.

«Фотография – создание порядка из хаоса». Ансель Адамс.

Живопись – искусство внесения. Фотография – искусство выделения. Попытка «вместить все сразу» гарантирует плохой снимок. Все, что не приносит пользу снимку, вредит ему. Делайте снимки чистыми и простыми.

Чем меньше – тем больше; чем меньше объектов в кадре, тем сильнее изображение. Простота – сильное качество.

Я собираюсь потратить несколько секунд на объяснение того, что не важно. Если вы уже понимаете это, пролистайте до важных разделов, начинающихся с «любопытства».

Близость

Критически важно быть знакомым с каждым нюансом вашего оборудования. Вы должны в точности знать, как оно работает в каждой ситуации. Вы должны предвидеть результат, глядя на объект. Вы должны в точности знать, как ваше оборудование интерпретирует реальность.

Когда вы знаете это, вы можете гарантировать, что каждый снимок, который вы делаете, будет выглядеть в точности так, как вы задумали. Вы в точности будете знать, как получаются фотографии, и как вносить в них изменения при необходимости.

Вы не можете пользоваться пятью камерами и хорошо знать их. Пользуйтесь одной камерой и одним объективом, и вы познаете все их нюансы. Не тратьте время на преследования каждой новой камеры: если вы поступите таким образом, вы никогда не изучите их достаточно хорошо, чтобы создавать великие картины, кроме как по случаю.

1.) Начиная

Ничего не покупайте. Вы можете создавать отличные изображения ЛЮБОЙ камерой. Слишком много людей полагает, что покупка камеры – первый шаг на пути к отличным снимкам. Я должен объяснить, что это – последний шаг. Некоторые из нас имеют модные камеры, потому что у нас есть на них деньги, и потому что эти камеры делают фотографию более удобной. Они не имеют отношения к качеству изображений.

Вам достаточно того, что у вас уже есть, даже мыльницы или одноразовой камеры. Думать, что вам нужно больше, заставляет вас пропускать возможности, отвлекаясь на мысли «если бы у меня была…».

«Необходимость – не факт, а интерпретация». Фридрих Ницше.

Посещайте занятия по рисованию, живописи и дизайну. Учитесь видеть. Читайте книги. Я никогда не посещал уроки искусства. Все учатся по-разному; я учусь, читая книги, и работая.

Фотографы, чьими работами я восхищаюсь больше всего, зачастую являются живописцами или вовлеченными в искусство; не людьми, имеющими степени инженеров, ученых или технических фотографов.

Просите помощи у художников в начале. Спрашивайте их, как надо видеть, и показывайте им свои работы. Они увидят вещи, которые вы еще не видите, и помогут вам открыть глаза и начать делать лучшие снимки.

Избегайте друзей, соседей или коллег, которые работают с компьютерами, в науке или инженерном деле, и постоянно говорят о камерах. Страсть этих людей относится к камерам или компьютерам, а не к фотографии, или искусству, или к визуальному выражению воображения. Берегитесь людей, которые предпочитают говорить об инструментах, а не о создании фотографий. Есть тысячи людей, которые смотрят спорт по телевизору и могут говорить о нем бесконечно, но единицы атлетов, которые по-настоящему занимаются спортом. Вы хотите говорить с теми редкими людьми, которые на самом деле делают это.

Забудьте интернет. В начале вам требуется гораздо большая глубина, чем поверхностные знания, которыми полон интернет и мой сайт. Я хотел бы помочь вам при личной встрече, потому что это невозможно сделать по электронной почте. Учеба – двусторонний процесс, а не серия односторонних электронных писем или чтение сайтов.

Помните: интернет все еще переполнен техническими людьми, которые изобрели его. Их вы хотите услышать в последнюю очередь, потому что они обычно являются фетишистами оборудования, а не художниками. Именно они в большинстве случаев тратят время на сайтах или в фоточатах. Берегитесь.

Говорите с профессиональными фотографами, а не с любителями. Если вы не знаете таких, поищите в желтых страницах или спросите в местной фотолабе. Некоторые профессиональные фотографы на самом деле любят свою работу и готовы часами говорить о ней, если их попросить.

Ищите людей, чьи фотографии нравятся вам, и спрашивайте их. Ищите людей, чьи произведения нравятся вам, и спрашивайте их тоже. Не говорите с теми, кто готов бесконечно болтать о технологиях производства пленки, но кто никогда не сделал ни одного снимка, который нравился бы вам. Стоит вам поговорить с этими инженерами, и вы станете настолько замороченными о своей камере, что никогда не сможете сделать хорошее фото.

Знаете, где лучше всего учиться? Забудьте модные школы. Просто загляните в местный государственный колледж или университет. Там вы найдете учителей, которые на самом деле любят свое дело и готовы поделиться с вами, стоит только попросить.

Не тратьте слишком много времени на обучение «фотографии». Большая часть «фото»-школ просто тратит ваше творческое время на возню с устаревшими концепциями. Они редко учат тому, как создавать изображения, которые вы хотите создать.

Важно понимать технические концепции, но это только начало.

Люди тратят слишком много времени на мысли об оборудовании и технике. Они полностью забывают, что владение оборудованием – лишь первый шаг на длинном пути к созданию великих работ.

Я преподаю фотографию не так как старые пердуны. В первые 150 лет, с 1835 по 1985, до появления матричных экспонометров, человек должен был похоронить себя в куче технических знаний для того, чтобы просто создать фотографию. Уже десять лет большинство камер в состоянии настраивать себя в большинстве возможных ситуаций, а «старики» до сих пор не понимают, что большая часть людей может вообще игнорировать настройки камеры. Это так, я обычно снимаю с использованием автофокуса и программной автоэкспозицией!

Печально, когда люди просят меня порекомендовать камеру, которая подойдет под жалкие требования начальных фотозанятий, которые обычно требуют наличия полностью устаревшей мануальной камеры. Боже, бегите от этих уроков и учитесь любить свою мыльницу. Автоматизация хороша: камера не думает за вас, она просто самостоятельно управляет фокусом и экспозицией, что редко требует творческого мышления. Автоматические камеры позволяют сосредоточиться на том, что важно, на композиции, страсти, выражении и свете.

Я рекомендую отправляться снимать, и пытаться выражать свои ощущения, и видеть, что вы получаете. Когда вы поймете, что вам на самом деле нужен технический совет, спросите о нем кого-то, кто на самом деле знает. Более важно понять, что на самом деле вас привлекает и попытаться передать это через снимки.

2.) Забудьтетехнику

«Я не ученый. Я считаю себя художником, который использует техники для высвобождения своего видения». Ансель Адамс, автобиография.

Мысли о ручной настройке экспозиции и техниках отвлекают вас от вашей страсти, как если бы ваш партнер отвлекался бы на телефон посреди жаркой ночи.

Многие люди все еще ошибочно полагают, что овладение простыми вопросами, такими как глубина резкости или выдержка, и есть все, что надо знать о фотографии. Это имеет такое же отношение к фотографии, как ремонт пишущей машинки относится к написанию романа. Они являются необходимым злом, но не главными вопросами.

Для камер большего формата, такого как 120 и 4х5, вам может понадобиться изучение техник, потому что эти камеры были сделаны без автоматизации, но 35-мм и цифровые камеры умеют делать это самостоятельно, и лучше чем большинство людей, которые настаивают на том, что вам следует настраивать камеру вручную. Не влезайте в техники, пока вам это не нужно. Большая часть моих работ была сделана в режиме программной автоэкспозиции. Расскажите это своему учителю фотографии.

Берегитесь, я знаю людей, которые получают наслаждение от ковыряния в настройках своих камер. Это нормально, но не позвольте им отвлечь себя. Начните с автоматической камерой, чтобы научиться важным вопросам выражения собственных ощущений. Вы всегда можете выучить f-стопы позже.

Старые пердуны любят ощущать свою важность и заставляют вас думать, что они нужны вам для того обучения секретам ковыряния в камере. Они будут пытаться заставить вас поверить в то, что вся эта фигня необходима для создания фотографий. Они будут настаивать на том, чтобы вы снимали в ручном режиме, и если вы будете настоль глупы, что поверите в это, вы потратите все свое время на выяснение, какой из объективов резче рисует, вместо того, чтобы проводить личную выставку в галерее.

150 лет развития технологий запрограммированы в вашей 35-мм камере. Используйте их.

Я рекомендую начать с вашей 35-мм зеркалкой, выставленной на матричный замер, программную экспозицию и автофокус! Ваши картины будут лучше, чем работы бесстрастных людей, которые тратят время на ручные настройки, потому что большинство камер имеют лучшие настройки в своих программах, чем большинство фотографов может выбрать! Ваша современная зеркалка вероятно использует зонную систему для определения экспозиции, а ее не понимает большинство фотографов.

Я объясню, что вам на самом деле надо знать о технической стороне фотографии в конце.

Вы должны беспокоиться о видении, ощущении, композиции и свете. НЕ о f-стопах, когда вы начинаете.

Да, технические способности, а на самом деле, техническая виртуозность, абсолютно необходимы для успешной фотографии. Однако эти способности – лишь необходимые требования, с которыми можно создавать великие работы. К счастью, большая часть этих знаний и навыков сегодня запрограммирована в автоматические камеры, существенно облегчающие овладение ими. Само по себе техническое мастерство не создает хорошие фотографии, оно - лишь одна из необходимых частей.

3.) Вашакамеранеимеетзначения

Честно. Если вы верите мне, просто читайте следующий раздел. Если нет, читайте обязательную статью здесь.

4.) Любопытство

Снимайте объекты, которые на самом деле любопытны вам. Вы должны интересоваться ими, если вы хотите, чтобы зрители тоже ими заинтересовались.

5.) Следуйте за вашим видением

Не следуйте за гуру, учителями, за мной, или за кем-нибудь еще.

Вы никогда не будете лучше, чем они сами, в том, чтобы быть ими. Никто не будет лучшим Анселем, чем Ансель – и никто не будет лучше вас в том, что вы делаете.

Будьте собой. Показывайте свою страсть. Не пытайтесь скопировать чужую.

Вы должны снимать, быть собой, и ваш стиль будет развиваться. Никогда не думайте, что если вам нравится чья-то работа, вы должны делать то же самое.

Найдите свою страсть и изучайте ее. Если вас восхищают статуэтки, или мусорные корзины, или старые люди, или красивые обнаженные девушки, или покрышки, или узоры шин, оставленные на снегу, или заводы по переработке мусора, или милые маленькие зверьки – идите и снимайте их.

Нет правильных и неправильных вещей для съемки. Просто покажите нам то, что увлекает вас.

Если вас ничто не увлекает, ваши снимки будут плохими. Ищите то, что нравится вам, и наплюйте на остальное.

6.) Вы должны видеть, а не просто смотреть

7.) Выражайте свои чувства. Спрашивайте себя, как вы могли бы описать свои чувства слепому человеку.

8.) Нетправил.

Нет правильного и неправильного. Правило третей – не правило, а правила для идиотов. Просто идите и делайте хорошие фотографии. Хорошее фото – то, которое нравится вам и кому-нибудь еще. Нет формул, очков или уровней.

9.) Не спрашивайте, зачем что-то – спрашивайте, как придать этому смысл.

10.) Креативность

Наличие креативности не делает что-то искусством. Когда младенец залезает в памперс рукой и потом рисует ей на стене – это очень креативное действие, но это не искусство.

Техническая фигня

Раз уж вы дочитали до этого места, позвольте мне дать несколько советов.

1.) Свет

Свет – самый важный технический вопрос из присутствующих. Изучите еще и композицию, и у вас будет все необходимое для решения всех вопросов.

Во-первых, и это самое главное, вы должны развить чувствительность к восприятию света и к тому, как он будет выглядеть на пленке. Развив эту чувствительность, вы сможете понимать, когда свет подходит для вашей фотографии, а когда пора убирать камеру и обедать. С этой способностью вы также сможете управлять светом при помощи простых рефлекторов и скримов для реализации ваших идей.

Чем меньше ваш объект, тем проще его осветить. Фотографы, снимающие портреты, жуков и цветы, делают это постоянно; пейзажным фотографам приходится ждать правильного света.

Простой лист бумаги А4 может отразить достаточно солнечного света, чтобы заполнить тени на лице.

Чтобы получить правильный свет на горе, вам может понадобиться правильное время года, правильная погода и правильное время суток. Именно так Ансель Адамс создавал свои работы: он жил в Йосемите и показывал только те работы, где свет был фантастичным. Если вы оказались где-то на отдыхе и снимаете все подряд, вряд ли у вас получится что-то экстраординарное.

У всех разный вкус. Это искусство.

Вы должны либо создавать собственное освещение в студии (или с десятками тонн оборудования и генераторов, как мы делаем при съемке фильмов), или иметь достаточно терпения, чтобы дождаться, когда природа предоставит правильный свет.

2.) Терпение

Как описано выше, для съемки пейзажей нужно терпение. Поскольку вы не можете осветить весь пейзаж, вам просто придется ждать правильного света.

Это на самом деле важно!

Возможно, вам придется ждать правильного света часами, днями, или месяцами, или годами. Люди не будут ждать вас. Если вы поторопитесь, то пропустите хороший свет.

3.) Опыт

С практикой вы поймете, что хорошо выглядит на снимках.

Ни одна фотография не является точной копией. Все фотографии искажают реальность. Лучше узнавая, как ваши материалы передают реальность, вы научитесь распознавать условия, в которых вы можете получить желаемое. Зная это, вы начнете больше снимать в правильных условиях, и искать эти условия.

Вы узнаете, что необходимо, чтобы получить то, что вам нравится, в фотографии.

Одна подсказка: контраст должен казаться низким для вас, чтобы выглядеть хорошо на снимке. Фотография сама добирает контраст.

4.) Практика

Вы должны снимать достаточно часто, чтобы видеть результаты, пока еще помните саму съемку и то, что вы чувствовали тогда.

В идеале, вы должны проявлять пленку и смотреть на результаты на следующий день после съемки, пока ваша память еще свежа. Если вы прождете несколько месяцев, вы не сможете сопоставить результаты с чувствами, которые вы испытывали в процессе.

Вы должны знать, что вы хотите получить, когда чувствуете что-то.

5.) Редактирование

Показывайте только ваши сильнейшие работы.

Выбрасывайте большую часть того, что вы снимаете. Я делаю это. Большая часть моих снимков ужасна!

Выбирайте пару снимков с пленки и выбрасывайте все, кроме сильнейших изображений.

Затем просмотрите выбранное и выбросьте еще больше.

Это не живопись. В фотографии необходимо избавляться от большей части того, что вы делаете.

Вы увидите, что если вы храните или показываете только сильнейшие работы, они неизбежно улучшатся. И еще: поскольку вы показываете только лучшие работы, ваше творчество выглядит улучшающимся для зрителей.

Вы думаете, что я снимаю ролик пленки и весь он заполнен

Ансель Адамс сказал, что если вы можете создать одну сильную картину в год, то у вас все идет хорошо. Не ждите, что у вас будут получаться чудеса на каждой пленке, или даже каждый месяц. У Анселя не получалось, у меня не получается, и я не думаю, что у кого-нибудь получается.

6.) Пленка

Ваш выбор пленки очень важен для вида ваших работ.

Избегайте любительских пленок, на которые снимают 95% любителей, которые выдают непостоянные результаты.

7.) Компенсацияэкспозиции

Забудьте об этом, если вы снимаете на любительскую пленку, потому что вне зависимости от ваших усилий для получения точной экспозиции, она будет неверной. Поэтому я настоятельно рекомендую снимать на цифру или на слайд.

Если вы снимаете на слайдовую пленку или на цифру, или самостоятельно печатаете – обращайте внимание на компенсацию экспозиции.

Снимайте достаточно, чтобы понимать, в каких условиях ваши изображения получаются слишком светлыми или темными. Если вы видите пересветы или затемнения, пора заняться компенсацией.

Не беситесь. Нет идеальной камеры, и почти каждая нуждается в настройке экспозиции для некоторых снимков. Мне потребовалось много времени, чтобы понять это; я думал, что моя камера всегда умнее меня. Обычно так оно и есть, но не всегда. В эти моменты необходимо настраивать компенсацию экспозиции.

Здесь нет правил, только направления. Делайте то, что вам кажется правильным.

В идеале, вам стоит владеть зонной системой, чтобы получать идеальную экспозицию каждый раз без угадывания или брекетинга. Знание зонной системы делает компенсацию экспозиции проще.

Вот, как работают эти настройки.

0: если ваши снимки выглядят хорошо, компенсация не нужна.

+1стоп: это хорошее начало в случаях, когда вещи становятся слишком темными. +1 стоп осветлит средний серый до средне-светлого серого. Это стандартная настройка для старых камер, которые не имеют новых экспонометров.

+2стопа: это серьезная коррекция для того, что получается слишком темным. Если что-то получается средне-серым, и вы добавите +2 стопа, оно станет белым. На старых камерах или с ручными экспонометрами вы используете такую компенсацию для того, чтобы получить белый снег или песок.

-1стоп: обычно я не делаю этого. Это сделает из среднего серого темно-серый.

-2стопа: никогда не используйте, кроме случаев, когда вы работаете со сломанной камерой. Это сделает из средне-серого очень темный, почти черный, серый. Это используется со спот-метром для выставления теней в рамках зонной системы, но не как настройки при компенсации экспозиции.

8.) Все о вспышках

Когда пользоваться вспышкой

Большинство любителей используют вспышку в самые неподходящие моменты, гарантируя себе получение снимков, выглядящих любительски. Правильное использование вспышки гораздо более важно, чем тип вашей камеры. Любая мыльница, использованная правильно, выдаст гораздо лучшие результаты, чем любая LEICA, Canon или Nikon в руках любителя.

Большинство людей неправильно отключают вспышку при дневном свете, что приводит к резкому, уродливому свету на лицах. Включение вспышки при ярком солнце поможет осветлить тени и сделает их более естественными. Также, при контровом свете вы сможете увидеть друзей, а не их силуэты.

Режимы синхронизации

Большинство людей неправильно пользуется вспышкой в помещении или при слабом освещении. Использование вспышки в обычном режиме синхронизации приводит к выбитому в черный фону и к пересвеченным объектам. Что еще хуже, выбитый фон путает печатные машины и заставляет их печатать снимки слишком светлыми, после чего бедняги-фотографы винят свои камеры в том, что они переэкспонируют снимки!

Если вы работаете со студийным светом или снимаете макро, использовать быструю синхронизацию правильно. Но это – не то, что делает большинство людей.

Рассеивание вспышки

Накамерная вспышка представляет собой худший из возможных источников света, который вы можете найти. Для использования в качестве заполняющего света ее достаточно, но вы можете получить лучшие результаты, используя дешевый рассеиватель, если ваш объект достаточно близко. Даже многие профессионалы не понимают это, и вы часто видите знаменитых фотографов, рекомендующих понижать мощность вспышки на стоп или два. Если вы рассеиваете вспышку (даже просто отражая свет от белой бумаги), вы можете позволить камере использовать обычную мощность вспышки, и все будет выглядеть естественно без ковыряния в настройках вспышки.

9.) Выдержкидлясъемкиводы

1/500 замораживает все. Результат не похож на то, что мы видим глазами. Именно это вы видите в журналах, где каждая капля замерла в воздухе.

1/30 делает текущую воду почти естественной, если это именно тот эффект, который вам нужен.

1/8 выдает красивое размытие.

1 секунда делает все гладким

Несколько секунд или минут превращают пенистую воду в туман.

10.) Трюки для отличных черно-белых снимков

Желтый фильтр НЕОБХОДИМ для съемок вне помещений на черно-белую пленку, иначе синее небо будет полностью выбито. Желтый фильтр нужен для получения естественных результатов вне помещений, потому что пленка гораздо более чувствительна к синему, чем наши глаза. Желтый фильтр приводит цветовую восприимчивость пленки к нашей, тем самым не позволяя осветляться небу.

Несколько базовых советов:

1.) Настройте камеру на +1 стоп к экспозиции, чем написано на пленке. Большинство указанных на пленке скоростей приводят к недоэкспозиции и пустым теням. Другими словами, указывайте камере значение ISO, вдвое меньшее указанного на пленке, или делайте +1 компенсацию экспозиции.

2.) Если вы финишируете снимки в цифре, снимайте на цветную пленку и переводите в ч/б в фотошопе, потому что:

  • ICE (система удаления царапин и пыли в большинстве сканеров) работает с цветной пленкой лучше, чем с ч/б
  • Вы можете контролировать цветовые каналы в фотошопе для создания эффектов фильтров.

11.) Жест

Выражение вашего объекта – это все. Хотите увидеть отличные примеры фотографий, на которых жест создает фото? Посмотрите на стены ресторанов Buca di Beppo.

12.) Упрощайте и подбирайтесь ближе

Чем проще, тем лучше. Все, что не усиливает изображение, ослабляет его.

Когда я нахожу интересное, с каждым кадром я подхожу ближе, чтобы было меньше отвлекающих элементов и больше важных.

С ростом фотографов, их работы обычно содержат все меньше объектов, и становятся все сильнее. Это подобно прогрессу живописца Пьета Мондриана в течение его жизни. Его ранние работы были обычными картинами. Они стали с годами проще и абстрактнее. В итоге его работы стали линиями и цветными квадратами, за них его и помнят.

13.) Закройте один глаз

Деревья, цветы и кусты выглядят прекрасно, но только потому, что мы видим в трех измерениях.

Глядя на дерево, которое вы хотите снять, закройте один глаз. Магия исчезнет, но именно так видят камеры!

Чтобы сделать хорошее фото трехмерного объекта, такого как дерево, ищите хороший угол зрения, закрыв один глаз. Вы часто будете обнаруживать, что нет способа снять то, что мы видим двумя глазами.

Делая это, вы спасаете себя от стыда создания снимков, которые улетят в мусор.

14.) Знайте, когда сказать нет

В фотографии важна способность посмотреть на что-то, что снимают все, и сказать «Скука!».

Большую часть времени вещи не особенно фотогеничны, по сравнению с редкими состояниями света или погоды.

Кто угодно может снимать сегодня. Некоторые вещи просто скучны. Вы можете потратить много сил и времени на попытки заставить их выглядеть иначе, или можете расслабиться и найти лучший объект для съемки.

Как говорят на скачках: «Лошадь сдохла. Слезь»

15.) Заткнись когда все идет хорошо

Прекрати болтать и снимай, когда свет становится хорошим.

Слишком часто я видел парней, предпочитающих болтать о сравнении Canon против Nikon и прочем, когда приходит идеальный свет.

Заткнись и снимай.

16.) Не толпитесь; разбегайтесь!

Худшие фотографы – слепцы, неспособные видеть самостоятельно.

Вы найдете этих ребят, столпившихся в одном месте, где первый из них нашел хороший кадр.

Лучшие снимки приходят из мест, которые никто не нашел. Если вы застряли в толпе, вы получите худшие снимки.

Хорошие фотографы всегда снимают в одиночестве, находя лучшие снимки с лучших углов.

17.) Забудьте о фоторюкзаках

Почему так много любителей носят тяжелые фоторюкзаки, забитые всем их барахлом?

Это не только тяжело и больно, но это еще и не дает им снимать, пока они не найдут место, куда рюкзак можно положить.

Используйте жилет с карманами, или, что еще лучше, носите только то, что помещается в карманы штанов или куртки. Если вам приходится пользоваться сумкой, используйте поясную, в которую вы можете залезть без особых проблем.

18.) Любителей волнует, что вы скажете. Художники снимают только чтобы впечатлить самих себя.

Пояснение: снимайте то, что вы любите, и забудьте о том, что думают остальные.

19.) Не волнуйтесь, будьте счастливы

Не волнуйтесь, если пропустили кадр или не были готовы. Вы всегда можете вернуться назад в другое время. И если это достойное место, вы обязательно вернетесь.

Не волнуясь, вы более расслаблены, и делаете лучшие снимки.

20.) Носите меньше

Пытаясь быть готовыми ко всему, вы оказываетесь не готовыми ни к чему.

Носите меньше и вы будете расслаблены, и проведете лучшее время, что снова приведет вас к большему удовольствию и лучшим снимкам.

21.) Избегайтекофеина

Кофеин – наркотик, такой же, как морфин и кокаин. Единственная разница в том, что кофеин не так опасен и законен.

Плохая новость в том, что производители кофе и газировки любят поддерживать вашу зависимость в утренней чашке для пробуждения, и в множестве кружен в течение дня для поддержания бодрости.

Это было бы нормально, если бы вам не надо было спать, но раз уж вам приходится, утренняя чашка мешает вам засыпать быстро и спать хорошо.

Я никогда не пил кофе, но любил колу.

Когда я отказался от колы, я был изумлен тем, как хорошо я стал спать, и, что более важно, насколько бодрым я был в течение дня.

Прием кофеина ломает естественный ритм вашего тела. Он вредит вашему сну и делает вас зависимым. Откажитесь от наркотиков, и вас ждет хороший сон и легкое пробуждение для съемок.

Сначала вам может быть тяжело, но через несколько дней все станет хорошо.

22.) Не волнуйтесь о том, что задеваете незнакомых

Любое фото, которое говорит о чем-то, задевает кого-то в чем-то. Особенно учитывая огромную аудиторию интернета, почти гарантированно каждое фото, кроме полностью скучных, заденет кого-нибудь.

Единственный способ избежать задевания – сделать так, чтобы ваши снимки были пустыми и ничего не говорили. Вот почему картины, которыми оформляют отели и офисы, так скучны: так должно быть, если секретарь, который их выбирает, хочет быть уверен, что они никого не заденут.

Если кто-то находит ваши работы возмутительными или неприятными, может, так оно и есть, или они просто хороши. Есть множество странных людей, которых оскорбляет все подряд. Если вы не знаете их лично, игнорируйте их заявления, если не хотите, чтобы ваши снимки заставляли всех скучать.

Не думайте: снимайте

Балансцвета

Я проходил мимо и снял. Я даже не знаю, почему: я почувствовал и отреагировал.

Позже я понял, что увидел баланс между бронзовым и бирюзовым, между туалетом и мешками. Если вы не видите его, отойдите на несколько метров и увидите соотношение позитивного и негативного пространства.

Это не фото туалета; эта работа о цвете и о балансе.

Наше подсознательное воспринимает это гораздо быстрее, чем сознание начинает распознавать объекты. Не думайте: снимайте.

Снимайте в разных условиях

Я обычно снимаю все время, будь объекты скучны или фантастичны. Я попадаю в ритм и снимаю все подряд.

Лучше убирать камеру, если объекты скучны, и снимать, как в последний раз, когда свет и условия становятся увлекательными.

Таким образом, из того же количества снимков, больший процент будет увлекательным.

Путешествуйте налегке

Вы не должны быть загружены, чтобы с удовольствием добираться до лучших мест, вместо того, чтобы лениться тащить все до точки.

Снимайте только одной камерой; не пытайтесь снять один и тот же кадр на два формата.

Превращаем цифровые снимки в винтажные принты на рисовой бумаге

Почему это круто

before

Одна из самых привлекательных особенностей аналоговой съемки заключается в настроении и помехах: засветках, зерне, непредсказуемости.

Печать на рисовой бумаге приносит все это. Есть что-то особое в мягкой, полупрозрачной текстуре бумаги, которая придает снимкам ощущение нереальности, которое не может передать обычная фотобумага.

Каждый может сделать это дома. Не нужна темная комната или химикаты. Только старый добрый струйник.

Ингредиенты

  • струйный принтер
  • цифровое фото
  • лист рисовой бумаги размера А4
  • канцелярский клей
  • лист фотобумаги А4

Шаг 1: выберите фото

Во-первых, выберите фотографию, которую хотите напечатать.  Возможно, вы захотите поднять контраст и насыщенность, потому что детали могут пропасть при переносе.

Шаг 2: готовим бумагу

before

Для этого проекта подходит рисовая бумага и бумага для поделок. Обе они имеют текстуру, которая добавляет восхитительности при переносе.

Обе они продаются в художественных магазинах.

Приклейте рисовую бумагу к фотобумаге при помощи клеевого карандаша. Рисовая бумага мягче обычной, и клей поможет ей нормально пройти через принтер.

Шаг 3: печатаем

before

Убедитесь, что вставили бумагу в принтер таким образом, чтобы печать производилась по рисовой стороне.

Печатайте фотографию как обычно.

Шаг 4: отрываем

before

Ваш снимок напечатан! И выглядит интересно, да?

Теперь просто снимите фотобумагу с рисовой, и ваш винтажный принт готов исполнить свое фото-предназначение. Повесьте его на стену или подарите другу.

Больше идей

  • Попробуйте перенос с пленкой для еще более мягких изображений.
  • Рисовая бумага достаточно крепкая чтобы выдержать складывание. Загните стороны вместо использования обычной рамки.

Как создать шедевр

"Опережая расписание", Том Фриц.

Этим утром я думал о том, как странно то, что музыка - более эффективный визуальный носитель, чем фильмы или фотографии.

Подумайте об этом: хорошая музыка уносит вас. Закройте глаза, и вы окажетесь в другом месте. Хорошая музыка уносит вас даже не в другую страну, она физически переносит вас в другой мир, создавая зрительные образы, запахи, ощущения, вкусы и все остальное, как если бы вы были там. Плохая музыка и близко к этому не подходит, но спросите любого любителя музыки, и он скажет вам, что хорошая музыка делает все это и даже большее. Если с вами этого не происходит, надо слушать внимательнее.

Затем я подумал, насколько маленький и дурацкий носитель, с которым мы работаем. Фото, даже огромное – не реальность. Оно маленькое, плоское, и мы всегда можем заглянуть за рамку. Вы можете смотреть на фото, но вы всегда будете там, где вы есть. Вы можете смотреть на фото в галерее, но вы все равно будете в галерее. Вы можете смотреть фильм в кинотеатре, но вы все равно будете в кинотеатре.

Конечно, вы можете думать, что вы близки с тем, что изображено на пленке, но вы думаете о том, что хорошо было бы оказаться там, а не о том, что вы уже внутри. Закройте глаза, и фотография или фильм исчезнут. Ваше воображение еще не разогрелось, а все заканчивается, даже не начавшись. С музыкой все начинается, стоит вам закрыть глаза и прислушаться.

Потом я понял, что отделяет великие снимки от хороших работ. За меньшее время, чем вы потратили на чтение написанного выше, я понял, что шедевры визуального искусства делают то же самое. Когда я подумал о нескольких шедеврах, которые я видел, я немедленно перенесся в другой мир. Я внезапно оказался в новом месте.

Затем я придумал свой собственный фильм, длительностью в целых 29,5 секунд, чтобы проиллюстрировать это. Пара проходит мимо картины в галерее, останавливаются на миг, чтобы присмотреться, и парня внезапно засасывает в картину. Середина холста вспучивается, чтобы встретиться с ним, хватает его за голову, и засасывает его в картину. Держась за руки с подружкой, они проваливаются в новый мир. Они приземляются на ноги и осматриваются: чирикают птицы, играет музыка, и все вокруг залито закатным солнцем. Они улыбаются друг другу и у них все хорошо.

Конечно, если бы это была реклама, здесь бы выскочил логотип дорогого лекарства. Забавно, что легальные лекарства рекламируются так, как если бы они были нелегальными галлюциногенами: «примите наше лекарство от какого-то плохого состояния, и вы окажетесь на пути в лучший мир, где всегда отпуск». Власти еще не озаботились этими подсознательными посылами. Однако вернемся к шедеврам…

Когда я впервые увидел в Autoweek Magazine статью о живописце Томе Фрице, который выиграл награду Automotive Fine Art's Society, маленькая репродукция его работы "Опережая расписание" поразила меня. Я подумал «черт побери!», и меня немедленно забросило в другой мир. Эта картина может казаться картиной о машинах обычному зрителю, но на самом деле она о том, чтобы создать это воздействие «черт побери!» через свет и множество других элементов. Его работы созданы его воображением, и он может использовать свет такими способами, о которых мы, фотографы, можем только мечтать.

То же случилось со мной, когда я смотрел на фотографию в торговом центре. На ней изображены силуэты двух парней на рыбалке против заходящего солнца. Отпечаток был шириной в пару метров. Я заметил маленькую бутылку пива на земле около одного из рыбаков. Затем она захватила меня: я заметил солнечный блик на той бутылке, чрезвычайно маленький в масштабах принта, и оно щелкнуло. Снова «черт побери!» и я в солнечной Мексике, рыбачу вместе с ними!

Вот, что создает шедевр. Конечно, у всех нас разные вкусы, но разница между великими снимками и шедеврами в том, что шедевр создает собственную реальность для зрителя. Если он уносит вас, это фантастика.

 

Создание шедевра

Чтобы стать шедеврами, ваши работы должны уносить людей. Они должны переносить зрителя туда, куда вы хотите его перенести. Это не обязательно должно быть милое место, если это – то место, которое вы хотите им показать.

Если вы Себастио Сальгадо, ваши работы переносят нас в ужасные места, но это именно те места, куда вы пытаетесь перенести нас. Я никогда не представлял себе старые корабли, отправленные в Индию для разборки на запчасти вручную, или людей, вынужденных самостоятельно добывать серу. Как и другие настоящие фотографы, Себастио Сальгадо не имеет полноценного веб-сайта. Я чаще видел его работы в музеях, чем в сети.

Критически важно иметь способность показывать людям вещи таким образом, который переносит их куда-либо.

Фотографии не могут быть пассивными. Если кто-то видит вашу работу, и хочет просто кликнуть для просмотра следующей, она не считается. Разберитесь с этим.

Фотографии должны вовлекать зрителя. Они должны намертво останавливать зрителя. Шок-контент или умышленная грубость не считаются; они должны привлекать внимание и уносить зрителя.

Показывайте только те работы, которые заставляют людей говорить «Ух ты!». Когда я подбираю работы, и вижу снимок, не делающий этого, я его не показываю. «Ух ты!», «Ооох», и «Ах» должны быть единственными, что вам следует показывать.

Шедевр – то, что заставляет зрителя думать «черт побери!!!», падать в обморок, и немедленно просыпаться в другом месте.

 

Основы изображения

Основная структура изображения состоит в том, как элементы, формы, линии, цвета и тона работают вместе. Если в изображении нет сильной основной структуры, оно проваливается.

Формы, линии, цвета и баланс, создающие картину, очевидны при любом ее размере. Отличная картина выглядит интригующей даже в виде слайда на столе.

Если картина проходная, она будет выглядеть пустым пузырем в малом размере, и останется пустой, вне зависимости от того, какой большой и резкой вы ее напечатаете.

Суть изображения в отношении между светом и тенью, верхом и низом, теплом и холодом, большим и малым, ритмом, точками внимания и гармонией. Как формы, градации, масштабы, углы и прочее сочетаются? Создают ли они глубину, баланс и воздействие, или сочетаются в бессмысленной куче мусора? Есть ли простота и единство, или вы хотите, чтобы ваши зрители гадали о том, что вы имели в виду? Эти моменты придают картине ее фактор «ух ты!». Настоящая картина захватывает ваше внимание и заставляет вас изучать себя, вне зависимости от ее размера.

Вот почему лучшие фотографы обычно имеют художественное прошлое. Художники понимают эти основные и критические элементы, и знают, как использовать их для создания потрясающих работ. Большинство фотографов понятия не имеют об этом, и посвящают свое творчество обсуждению резкости объективов, спорам о raw и jpg, или об алгоритмах перехода из 16 бит в 14 бит, вместо того, чтобы изучать обязательные основы формирования изображения.

Отличная картина захватывает внимание правильными основами. Детали и резкость – наименее важные части изображения. Смиритесь с этим; если картина скучна в уменьшенном размере, станет ли она интереснее, если ее увеличить? Нет.

Посмотрите на onexposure.net и на сайт Тома Фрица. Даже уменьшенные изображения вызывают восхищение, и вы понимаете, что за ними прячутся отличные работы.

Отличные работы захватывают ваше внимание потому, что в них правильно выстроены основные элементы. Без основ, не важно, сколько вы добавите деталей, картина останется пустой.

После того, как вы разместите основы, необходимо добавить изюминку. Когда зритель смотрит на картину, он видит изюминку в том, что заставляет его сказать «вот оно!», или в чем-то забавном. Примером может служить снимок повторяющихся объектов, выстроенных в линию, один из которых чем-то выделяется.

Один из учеников Гомера ЛеГасси рассказал мне то, чему Гомер учил других студентов: что картина должна быть подобна пауку, ткущему паутину. Должна быть основная структура, захватывающая внимание с любого расстояния и должно быть достаточно увлекательных деталей, которые заставят вас изучать изображение. Легко получить детали в фотографиях, но большинство фотографов никогда не понимают, что вначале надо захватить внимание зрителя.

Когда я выстраиваю композицию, я игнорирую детали, пока не размещу основы.

Конечно, работы Анселя Адамса заполнены таким количеством деталей, которое я не видел ни на одной цифровой фотографии, но, как и все великие работы, они захватывают ваше внимание даже в виде маленьких картинок. Великими их делают основы, а не детали.

Великие работы обычно создаются таким образом. Их внимательно создают, а не просто ловят в кадр. Даже при идеальном свете критические элементы композиции являются вашей ответственностью. Они заставляют картину петь или молчать. Гален Ровелл научил нас усиливать свою удачу в своей книге Mountain Light. Например, если вы ожидаете, что случится прекрасный свет через 10 минут, найдите самое удачное положение для съемки вещей такими, какими вы хотите их видеть, когда случится величественное.

Живописцы могут позволить себе большее, чем фотографы. Мне повезло побеседовать с живописцем Томом Фрицем, когда я просил его разрешения на использование работы, и он объяснил, как он перемещал тени, не трогая источники света, для создания сильной картины.

Том Фриц рассказал мне, что он начал работу с перемещения объектов в студии в поисках возможных композиций. Он работал со светом для поиска сочетания света и тени. Даже если он и использовал старую фотографию конкретного автомобиля как источник, он создавал перспективу, композицию, свет, облака, окружение и настроение в своем воображении. В начале он работал с абстрактными концепциями построения картины, и эти формы стали автомобилем и прочими объектами только после того, как основы были заложены.

Первое, что следует создавать – основы цветов, тонов, форм, балансов и движения. Если вы справитесь с этим, ваша картина будет эффективна. Прибавить к ней детали несложно. Как фотограф, вы должны искать именно основы, еще до того, как начнете работать с простыми вопросами, такими как фокус или глубина резкости.

Сложнее всего фотографам видеть основы и внимательно выстраивать их. Мы, фотографы, страдаем от отвлекающих резких деталей, которые мы видим в первую очередь в видоискателе, когда нам следовало бы искать основы изображения.

Если в изображении нет основ композиции, света, форм и цветов, не тратьте силы на нажатие спуска. Вот почему изображения, сделанные на камеру большого формата, имеют более высокий коэффициент успеха: мы не станем возиться с длительным процессом съемки на большой формат, если мы знаем, что результат не выстрелит. Снимая на цифру, люди щелкают напропалую, не задумываясь об основах, которые никогда не получится выстроить в фотошопе. Великие снимки получаются в камере; фотошоп лишь наводит лоск.

Я серьезно, вы не сможете заменить или починить основы картины в фотошопе. Проработав много лет в Голливуде, я знаю, что можно создать любое фотореалистичное изображение при помощи компьютерной анимации. Но изменить положение света можно только вручную попиксельно. Да, если изображение полностью создано в компьютере, его можно переделать, изменив положение солнца в алгоритмах создания изображения, но после его создания мы не можем ничего изменить. Положение ключевого света – один из критически важных элементов каждого изображения.

Когда я снимаю в студии, я трачу большую часть времени на перемещение источников света для получения нужного эффекта. Я хочу, чтобы ваши глаза смотрели туда, куда я их направляю. Если зрителю приходится гадать, что хочет сказать картина, она провалилась.

Самое важное, что делается в фотошопе – осветление и затемнение для привлечения внимания к важным частям изображения. Это требует умения работать со слоями и масками для эффективного осветления и затемнения разных частей изображения, и, что более важно, художественного зрения, которое знает, что и где осветлить и затемнить, и на сколько. Я не могу использовать программы, такие как Lightroom или Aperture для серьезных работ, потому что они не позволяют мне делать это; они позволяют только работать с целым изображением, а вы должны делать это в настройках камеры.

Если вы не понимаете этого, подозреваю, что вас никогда не захватывали великие произведения. Обратите внимание на слово «захватывали», это именно то, что делают великие произведения. Именно за это их ценят.

 

Видение основ

Картина не имеет отношения к пикселям. Пиксели – лишь детали. Все основные элементы должны составлять картину как единое целое еще до того, как кого-либо заинтересуют детали.

Великие фотографии не имеют отношения к разрешению или резкости. Они не имеют отношения к тому, какую камеру вы используете. Журнальная репродукция картины Тома Фрица была лишь в десяток сантиметров шириной, но все равно захватывала меня. Почему? Потому что в ней правильно выстроены основы. 95% этих основ можно увидеть даже из другого угла комнаты.

Если ваши изображения не воздействуют в уменьшенном виде, это плохие изображения. Маленький и мутный видоискатель – отличный помощник, которым редко пользуются. Мутный видоискатель заставляет вас создавать настолько сильные композиции, что они выглядят достойно даже через маленький видоискатель. Маленькие экраны камер полезны, потому что он позволяют вам видеть основы, не отвлекаясь на детали.

Плохие видоискатели и экраны не радуют, но позволяют создавать лучшие картины, чем большие, чистые и резкие экраны и видоискатели.

Когда я снимаю, я внимательно изучаю детали во время выстраивания композиции. Почему? Только так я могу убедиться в том, что в моей картине не будет отвлекающего мусора! Избавившись от мусора в кадре, я делаю самую тщательную работу, глядя в сторону и выстраивая композицию в боковом зрении! Используя периферическое зрение, я могу концентрироваться на критически важных фундаментальных основах, не отвлекаясь на детали. Я могу выстроить наиболее сильную и сбалансированную композицию, когда я концентрируюсь на жизненно важных основах, а не на деталях.

Преимущество камер большого формата в том, что изображение перевернуто. Это позволяет выстраивать более сильную композицию. Во время беседы с Томом Фрицем он упомянул, что расфокусирует зрение, чтобы увидеть, что на самом деле происходит на его картине. Он использует тени и облака не как тени и облака, но как элементы форм и цветов, которыми выстраивает композицию.

 

Изучение построения изображения

Посещайте уроки искусства. Читайте все доступные книги по искусству. Общайтесь с художниками, не с фотографами. Избегайте интернета, заполненного сайтами, созданными компьютерными и техническими гиками. Посещайте семинары по искусству. Следите за тем, что привлекает вас в картинах, которые вы видите и создаете, и делайте это чаще и больше. Держите сознание открытым.

 

Открытое сознание

Большая часть создания шедевра – удача. Фотограф не может отправляться на съемку с целью создание шедевра. Я никогда не отправляюсь снимать с конкретным пониманием того, какие снимки у меня получатся. Я просто выхожу из дома и вижу то, что вижу, и когда я вижу отличный свет, я могу получить что-то интересное.

Многие люди думают, что достаточно приехать в то же место, например в Onion Valley, в то же время года, как если бы природой для нас управляли швейцарцы, публикующие ее расписание. Я нашел свои лучшие снимки, просто шатаясь вокруг. Я нахожу поездки в точки на чужих картах гораздо менее продуктивным, чем прогулка с открытыми глазами. Вы на самом деле думаете, что кому-то хочется видеть больше идентичных снимков Delicate Arch на закате?

Дэвид Мюнх, один из величайших живущих пейзажных фотографов в истории, сказал то же самое. Печально, что любители отправляются снимать с копиями его работ и GPS-координатами, пытаясь повторить его картины, хотя даже он сам не сможет их воспроизвести. Свет никогда не повторяется. Дэвид Мюнх сказал, что идет снимать с открытым сознанием и видит то, что может увидеть. Он не выходит из дома с намерением сделать конкретную фотографию.

 

Глава 1. Коммуникация через фотографию, ч.3

Оценка собственного отклика Второе из двух персональных решений гораздо сложнее. Как вы откликаетесь на собственные интересы и как вы хотите выражать свои мысли фотографически? Это гораздо более глубокий и личный вопрос, чем «Что вас интересует?». Он требует не только знания, что именно интересует вас, но и понимания того, как это влияет на вас.

В примерах собственных работ, приведенных ранее, я попытался частично выразить второе решение. Песчаные каньоны интересовали меня весьма специфичным способом – как аналогии с космосом или силовыми полями – и мои картины базировались на передаче этого впечатления другим. Похожим образом храмы поразили меня своими величественными музыкальными формами. Вновь я попытался выразить эти качества в своих работах. Я не просто заявлял «Это – интересные вещи!», и начинал снимать, но откликался на интересные для меня способы их восприятия. Я подходил к ним со стремлением выразить мои сильнейшие ощущения от них в фотографии.

В следующий раз, когда вы будете снимать, подумайте о своей реакции на объект. Пытаетесь ли вы сделать приукрашенный портрет человека, которого вы находите непривлекательным или просто уродливым? Кроме тех случаев, когда вы делаете формальный студийный портрет (из тех, которые «улыбнитесь и наклоните голову»), вы будете следовать собственным инстинктам. Поражает ли вас объект? Если да, выделите это. Кажется ли он или она вам чувствительным и трогательным? Если так – попробуйте показать это в портрете. Видите ли вы уличный рынок цветастым и карнавальным, или он грязен и отвратителен? Выделяйте аспект, который сильнее всего воздействует на вас. Не пытайтесь выделять то, что как вам кажется, хотят увидеть другие; выделяйте свою точку зрения! Вы можете расстроить кого-нибудь в начале, но затем они начнут воспринимать вашу честность как силу и убедительность ваших работ. Но для того, чтобы делать это, вы в первую очередь должны определить, какова ваша точка зрения на самом деле. Это не всегда просто, потому что вы можете находиться под воздействием нескольких конфликтующих впечатлений, но необходимо распознавать эти конфликты и выбирать сильнейшее из впечатлений.

Здесь может пригодиться гипотетический пример. Путешествуя по каньонам Kings River в национальном парке Kings Canyon, я был поражен возвышающимися гранитными скалами и обрывающимися каскадами. Однако меня также поражает мягкость и безмятежность лугов и лесов.

Если бы я был должен сделать лишь один снимок в этом месте, мне пришлось бы выбирать аспект, который я хочу подчеркнуть: общую грандиозность или детализированную безмятежность. Я сомневаюсь, что смог бы успешно выразить оба аспекта в одной фотографии. Меня больше привлекает значительность или спокойствие? Мне пришлось бы изучить скалы и каскады, чтобы понять, являются ли они по-настоящему грандиозными, какими показались мне на первый взгляд. И такие ли безмятежные леса и луга? А что, если я ищу грандиозность и пытаюсь найти то, чего на самом деле нет? Другими словами, не слишком ли многое я пытаюсь вместить в фотографию? Я должен найти правильные ответы на эти вопросы для того, чтобы сделать осмысленную картину, которая будет выражать мои ощущения.

 

Когда я определю, на что я сильнее всего откликаюсь, и как я откликаюсь, я должен сконцентрироваться на выделении элементов, подчеркивающих этот отклик, и убрать (или минимизировать) ослабляющие элементы. В сущности, я откликаюсь на настроение, которое вызывает у меня увиденное, и должен определить, как я хочу выразить это настроение через фотографию. Чувство, которое вызывает моя фотография – это мой редакторский комментарий к увиденному. Если отклик получается таким, каким он был задуман, значит, я успешно выразил свои мысли. Если отклик отличается от задуманного, я могу быть разочарован, но приду к пониманию того, что такая интерпретация тоже имеет право на существование. Это может открыть для меня новое понимание. Однако если моя фотография ничего не вызывает у других, значит я позорно провалился.

 

Примечание: Когда я определю, на что я сильнее всего откликаюсь, и как я откликаюсь, я должен сконцентрироваться на выделении элементов, подчеркивающих этот отклик, и убрать ослабляющие элементы.

В будущем я могу взглянуть на ту же самую сцену и работать с ней, выражая другие мысли. Почему? Потому что мое восприятие изменяется с течением времени. Моя трактовка изменится. Мое видение будет другим. Мои цели будут иными.

Вы тоже, бесспорно, изменитесь со временем, как и ваш подход к фотографии. Но если вы похожи на меня, вы поймете, что эти изменения не обесценивают ваши успешные ранние усилия. Хорошая фотография переживет проверку временем. Бетховен, может и не написал бы свою первую, вторую, или третью симфонии в той же манере, после написания шестой, но это не обесценивает первые успехи.

Поскольку ваше восприятие изменится, чрезвычайно важно следить за ним все время. Ваше восприятие и ваши внутренние реакции устанавливают направление вашей фотографии, ваш визуальный комментарий. Подстраивайтесь по эти реакции. Другими словами, узнавайте себя. Но я должен предупредить вас: не заанализируйте себя до смерти. Существуют разумные границы интроспекции. Перед тем, как заниматься этим, начните коммуницировать, создав несколько фотографий.

Успешная передача вашего сообщения – суть творческой фотографии. Простое документирование происходящего – увиливание от ответственности; интерпретирование ее – принятие вызова. Если происходящее может и не быть вашим творением, фотография всегда является им! Поэтому не останавливайтесь только на том, что вы увидели; добавляйте ваши комментарии, чувства и мнения. Объедините их в фотографии. Выразите свою точку зрения. Защищайте свою позицию. Убедите зрителя в ценности ваших заключений.

 

Поймите, что вы хотите сказать!

Поймите, как вы хотите сказать это!

Затем скажите это!

Теперь вы думаете в рамках творческой фотографии!

 

Примечание: большинство художников не ищут истину, но ищут правильный метод выражения той истины, которую они видят.

 

Конечно, есть те, кто скажет, что художник ищет истину, и что глупо быть столь уверенным в своем подходе. Это мнение имеет право на существование, но в общем, я полагаю идею «поиска истины» чрезвычайно романтизированной. Я верю, что каждый художник, как и все остальные, имеет собственное видение мира: какой он, каким он должен быть, и как его следует улучшить. Поэтому я полагаю, что большинство художников не ищет истину, но ищет верный способ выражения той истины, которую они видят. Очевидно, что Льюис Хайн не искал истину, но выражал жестокую правду условий детского труда на заводах. Подобным образом Ансель Адамс не искал истину в фотографировании природы, но выражал истину красоты и величественности природы, как он ее видел.

Этот список можно продолжать бесконечно, но этого должно быть достаточно. Даже если мы отправимся в прошлое, задолго до появления фотографии мы увидим художников, выражающих истину, а не ищущих ее. Микеланджело описывал представителей местных властей как сосланных в ад в своих знаменитых фресках – это был сильный комментарий, за который он пострадал. Другие известные художники, композиторы и писатели тоже четко выражали собственную истину.

Кроме того, в нашем сложном мире нет такой вещи, как «истина», но существует множество частных истин, некоторые из которых конфликтуют с другими, а некоторые противоречат другим. Истина в лучшем случае неуловима, а в худшем – не существует. Каждый из объектов моей фотографии, к примеру, раскрывал разные аспекты мира, которые я считал достойными комментария. Если мои фотографии не раскрыли истину, как минимум, они попробовали выразить мою точку зрения о каждом объекте. Я могу только надеяться, что они создадут интерес, смысл и понимание в других.

Синяя бутелоуа, редко вырастающая выше десяти сантиметров, произрастает в иле около пустынь Юты, и обычно имеет серповидную кисточку на конце. Я нашел одну с полным кругом. Поскольку сильный ветер мотал ее, мне пришлось сорвать ее для съемки позже.

Я использовал маленький можжевеловый брусок как подставку для травы. Я в точности знал, что я хочу сделать с этими объектами. Через пару дней, когда ветер утих, я поставил два ящика, разместил на них брусок, воткнул в него травинку, и сфокусировал свою 4х5 камеру. Затем я снял темную ткань с камеры и использовал ее в качестве фона. Рис. 1-8. Травинка и можжевельник

 

Остатки книг

Вчера я был в Канаде на пресс-чеке 52 выпуска LensWork, и у меня обнаружилось небольшое окно в расписании, которое я решил посвятить походу в книжный магазин Chapters. Chapters в Канаде – эквивалент Borders или Barnes & Noble в США. У них есть большая секция остатков книг – книг, публикация которых была прекращена. И на одной из полок с книгами за $9.95 стояла фотокнига, которую мне отправил издатель в качестве демонстрации примерно полгода назад – тогда она стоила $65.00. Теперь она стояла в Chapters в разделе остатков с ценой, не превышающей $10. Каждый раз, когда я вижу подобную ситуацию, я не могу удержаться от вопроса: кто финансирует выпуск этих книг и кто теряет деньги на этих непродающихся книгах? Последние 40 или 50 лет книги были основным способом публикации своих работ в фотографии и ознакомления с новыми фотографиями. Книги были важнее, чем галереи, выставки и музеи. Книги были носителями фотографии. Но финансовая динамика книжного рынка настолько плохая, так много людей теряют на нем деньги сегодня, что изменения необходимы. Так не может продолжаться. Книжный бизнес просто жалок! Чтобы продать книгу через Barnes & Noble или Borders вы должны продавать ее им со скидкой в 60% - вот, сколько они платят за нее! Как может издатель заработать на этом? Как вы можете позволить себе публиковать книги? Вся парадигма распространения стала чрезвычайно дорогим и неэффективным способом демонстрации фотографий. Что-то должно измениться.

Я люблю книги, и думаю, что они прекрасны, но они также являются ужасным финансовым риском и ужасным финансовым провалом – каждый раз, когда книга публикуется и не продается. Примерно одна из десяти, судя по статистике, удачно публикуется. Это тяжелый способ заработка и мне искренне жаль тех людей, которые публикуют книги и теряют на этом последнюю рубашку!

 

Мотивация дедлайна

Прошлой ночью, около полуночи, мы завершили подготовку к печати 52 выпуска LensWork, и отправили его в печать. Я провел за работой примерно 21 час за эти выходные. Я говорю это не для сочувствия и не для того, чтобы выразить, как тяжела моя работа; я упомянул это потому, что это напоминает мне о том, как сильна мотивация дедлайна. Мы должны были отправить выпуск в печать в воскресенье, потому что выпуск должен быть опубликован на этой неделе. Я не знаю, почему я не использую эту технику в своем творчестве. Я наиболее продуктивно работал за свою жизнь именно в рамках дедлайна, при подготовке отпечатков для выставки или для семинара. Уверен, если вы подумаете об этом, вы поймете, что это относится и к вам. Вы производили больше отпечатков, делали больше матирования, тонирования, финишных работ, расставляли все точки над «i» - когда у вас был конкретный, негибкий дедлайн. Почему бы не применить это на регулярной основе?

Я часто думал, что если бы я был по-настоящему умным, я устраивал бы себе дедлайн раз в квартал для большого проекта, и чуть чаще для меньших проектов, и раз в году для самого серьезного проекта.

Дедлайны…да, это отличная идея. Но пойду я, пожалуй, отдохну!

 

 

 

 

Как заботиться о вашей новой камере (и играть с ней!)

Защитите объектив и улучшайте снимки фильтрами

Объектив вашей камеры хрупок и чувствителен к царапинам, сколам и трещинам. Вы можете защитить его простым УФ фильтром.

Если вы уроните объектив, фильтр примет на себя удар, спасая дорогостоящее оборудование. Но фильтры не обязаны быть простыми скучными стекляшками - существует множество их типов, с которыми можно играть! Вот короткий путеводитель по фильтрам:

Поляризующие фильтры: если вы много снимаете вне помещения, поляризующий фильтр может помочь вам снизить засветку и повысить насыщенность. Это означает глубоко синее небо и сочные деревья!

Фильтры нейтральной плотности: если вы когда-либо хотели сделать фотографию воды с гладкой и таинственной поверхностью, фильтр нейтральной плотности может помочь вам. Этот фильтр позволяет существенно удлинить выдержку.

Цветные фильтры: существует множество цветных фильтров всех цветов радуги. Их можно использовать для изменения цветовой температуры ваших фотографий.

Держите камеру в чистоте

Вы переживаете множество приключений в вашей фотографии, и ваша камера временами становится грязной. Поддерживайте чистоту с помощью простых инструментов и небольшого ноу-хау:

Поддерживать чистоту линз легко

  • Брызните очищающим средством на ткань из микрофибры (плохая идея брызгать на камеру!)
  • Легко протрите линзы чтобы собрать грязь
  • Переверните ткань и насухо протрите линзу

Если вы замечаете маленькие точки на снимках (легче всего их заметить на ярких цветных поверхностях), возможно, вы посадили пыль на сенсор.

Ее можно без особых проблем сдуть.

 

Превратите любимую сумку в фотосумку

Ваша камера не проведет всю жизнь дома, так что стоит защитить ее, отправляясь на приключения.

В зависимости от места, куда вы направляетесь, иногда не лучшая идея - показывать всем, что вы несете камеру. Брендовые фотосумки всегда делают это.

Если у вас завалялась старая фотосумка, из нее легко вынуть внутренности. А дальше их нужно просто вшить в любую сумку по вашему выбору.

 

Превратите цифру в аналог, распечатав снимки

Сейчас век цифровой фотографии и большинство фотографов делают сотни и тысячи снимков, размещая их в сети или храня на домашнем компьютере.

Ваша камера, скорее всего, будет выполнять ту же функцию. Но важно не забывать печатать снимки!

Вот, что можно сделать с отпечатанными снимками:

  • Сделайте стену достижений: у вас есть снимки с поездок, выходных и любимых встреч. Выделите стену в вашем доме и разместите на ней снимки важных событий.
  • Ведите журнал
  • Соберите альбом: вместо того, чтоб забивать журнальный стол журналами и дистанционками, соберите альбом из своих снимков
  • Сделайте фотокалендарь и станьте еще более организованны!

Отправляем вашу фотографию на новый уровень

Мир полон моментов, которые вы можете запечатлеть камерой. Если вы застряли, мы всегда готовы помочь вам новыми идеями! Обязательно читайте наши самоделкины проекты.

  • Читайте руководство к камере! У каждой камеры есть особые таланты. Узнайте, каковы таланты вашей камеры!
  • Проводите время на flickr и 500px. Сообщества способствуют вдохновению.
  • Всегда берите камеру с собой! Вы не можете снимать без нее!
  • Организуйте фото-приключения с друзьями!